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L’histoire de Salsoul Records commence de manière surprenante avec trois frères, Ken, Joe et Stanley Cayre, qui se sont d’abord lancés dans l’industrie textile en ouvrant une usine de fabrication de collants en Floride.
Cependant, leur ambition les a rapidement conduits à réorienter leur entreprise vers la production de cassettes huit pistes.
Cette transition marqua le début de leur incursion dans le monde de la musique.
Les frères Cayre ont ensuite identifié un marché de niche en promouvant des artistes latinos et mexicains auprès des auditeurs urbains à travers les États-Unis.
Cette stratégie leur a permis de se faire un nom dans l’industrie musicale et a conduit à la fondation de Salsoul Records, un label qui allait devenir légendaire.
Le single 12″ occupe une place fondamentale dans la culture de la musique dance, en raison de ses caractéristiques uniques qui le distinguent des autres formats.
Introduit pour la première fois dans les années 1950, ce disque vinyle de 12 pouces est devenu un outil indispensable pour les DJ, MC et producteurs de musique.
Grâce à sa capacité à offrir une meilleure qualité sonore et des versions plus longues des morceaux, le single 12″ permet aux artistes de s’exprimer pleinement et aux DJ de créer des mix plus fluides et dynamiques.
Ce n’est qu’en 1974 que le grand public a pu véritablement découvrir et apprécier ce format, grâce aux efforts de trois frères originaires de Miami : Henry Stone, Joe Stone et Morris Levy.
Ces pionniers ont compris l’importance du single 12″ pour la scène musicale émergente et ont travaillé sans relâche pour le rendre accessible à un public plus large, transformant ainsi l’industrie de la musique dance.
Au début des années 1960, les frères Cayre, Ken, Joe et Stanley, ont changé de cap, passant de la fabrication de collants à la production de cassettes huit pistes.
Leur véritable succès a commencé lorsqu’ils ont commencé à promouvoir des artistes latinos et mexicains.
Forts de cette réussite, ils ont fondé Salsoul Records, un label qui allait révolutionner la musique dance.
En 1976, Salsoul Records a fait un pas audacieux en devenant le premier label à commercialiser des disques 12 pouces à grande échelle avec la sortie du single « Ten Percent » de Double Exposure.
Ce format est rapidement devenu un standard dans l’industrie du disco. Sous la direction des frères Cayre, Salsoul Records a produit plus de 300 singles, se distinguant comme l’un des labels indépendants les plus prolifiques et influents des années 70 et 80.
Salsoul Records a collaboré avec certains des remixeurs les plus célèbres du disco, tels que Larry Levan et Walter Gibbons. Ces DJ légendaires ont joué un rôle crucial dans la création et la diffusion de la house music et du son disco de Philadelphie.Larry Levan, en particulier, était connu pour ses sets au Paradise Garage, qui ont marqué l’histoire de la musique dance.
Ken Cayre, le cadet des frères Cayre, était passionné par la musique dance dès son plus jeune âge.
En 2005, lors d’une interview avec Bill Brewster, Ken a raconté comment son engouement pour le disco l’avait poussé à collaborer avec des DJ emblématiques tels que Walter Gibbons et Larry Levan.
Ces collaborations lui ont permis de comprendre les subtilités et les techniques avancées de la production musicale.
Le single 12″ occupe une place fondamentale dans la culture de la musique dance, en raison de ses caractéristiques uniques qui le distinguent des autres formats.
Introduit pour la première fois dans les années 1950, ce disque vinyle de 12 pouces est devenu un outil indispensable pour les DJ, MC et producteurs de musique.
Grâce à sa capacité à offrir une meilleure qualité sonore et des versions plus longues des morceaux, le single 12″ permet aux artistes de s’exprimer pleinement et aux DJ de créer des mix plus fluides et dynamiques.
Cependant, ce n’est qu’en 1974 que le grand public a pu véritablement découvrir et apprécier ce format.
Cette popularisation est largement attribuée aux efforts de trois frères originaires de Miami : Henry Stone, Joe Stone et Morris Levy.
Ces pionniers ont réalisé l’importance du single 12″ pour la scène musicale émergente et ont travaillé sans relâche pour le rendre accessible à un public plus large.
Leur vision et leur détermination ont non seulement transformé l’industrie de la musique dance, mais ont également laissé une empreinte indélébile sur la culture musicale mondiale.
Au début des années 60, Ken, Joe et Stanley Cayre, trois frères ambitieux, ont décidé de se lancer dans l’industrie textile en ouvrant une usine de fabrication de collants en Floride.
Cependant, après quelques années dans ce secteur, ils ont choisi de réorienter leur entreprise vers une nouvelle opportunité : la production de cassettes huit pistes, un format populaire à l’époque.
Leur véritable succès a commencé lorsqu’ils ont identifié un marché de niche en promouvant des artistes latinos et mexicains auprès des auditeurs urbains à travers les États-Unis.
Forts de cette réussite initiale, les frères Cayre ont fondé Salsoul Records, un label qui allait devenir légendaire.
En 1976, Salsoul Records a révolutionné le marché de la musique en étant le premier label à commercialiser des disques 12 pouces à grande échelle avec la sortie du single « Ten Percent » de Double Exposure.
Les débuts du disco ont été marqués par des producteurs et des labels tels que Salsoul Records (fondé par Ken, Stanley et Joseph Cayre), West End Records (créé par Mel Cheren), Casablanca (dirigé par Neil Bogart) et Prelude (lancé par Marvin Schlachter).
Salsoul Records a joué un rôle déterminant dans la définition du son soul, funk et disco de Philadelphie, contribuant ainsi à façonner l’identité musicale de toute une génération.
Le label a non seulement lancé la carrière de nombreux artistes talentueux mais a également laissé une empreinte indélébile sur l’histoire de la musique.
Même s’il n’avait jamais envisagé de faire carrière dans la musique, Ken Cayre, le cadet des trois frères Cayre, a toujours nourri une passion profonde pour la musique dance.
En 2005, lors d’une interview avec Bill Brewster, Ken a raconté comment son engouement pour le disco l’avait poussé à s’immerger dans cet univers musical effervescent.
Il s’est non seulement perfectionné dans l’art complexe du remix, mais il a également eu l’opportunité unique de collaborer avec des DJ emblématiques tels que Walter Gibbons et Larry Levan.
Ces collaborations lui ont permis de comprendre les subtilités et les techniques avancées de la production musicale, consolidant ainsi sa réputation dans le milieu de la musique dance.
Ken Cayre est né à Kansas City, dans l’État du Missouri. Il y a passé sept années de sa vie avant de s’installer à Miami en 1963, où il a résidé pendant deux décennies.
Ken Cayre, né à Kansas City, Missouri, déménage à Miami en 1963 après sept ans, où il vit pendant vingt ans.
En 1972, il a déménagé à nouveau.
Il a effectué sa scolarité primaire et ses études universitaires à Miami. En 1972, il est arrivé à New York, où il vit depuis lors.
Il est entré dans la musique grâce à l’invention des cartouches huit pistes. Ils ont ouvert une usine pour fabriquer des machines de moulage par injection de plastique.
Ils ont conclu un partenariat avec leurs cousins au Mexique et ont commencé à fabriquer les cartouches brutes.
Finalement, ils en ont fabriqué trop, alors leurs cousins ont obtenu des licences pour de la musique espagnole auprès de CBS, de certains de leurs artistes.
Ils avaient encore trop de stock, alors ils ont commencé à les vendre aux États-Unis, dans les villes frontalières du Texas, en Floride, en Californie.
Puis ils ont reçu une lettre de CBS à New York leur disant qu’il fallait arrêter de vendre ces cassettes aux États-Unis, qu’ils n’avaient une licence que pour le Mexique.
Ils ont répondu : « Nous sommes désolés, nous allons arrêter, mais pouvons-nous venir vous rencontrer à New York ? »
Ils ont pris l’avion pour New York et ont avancé un million de dollars afin d’obtenir la licence américaine pour les cassettes huit pistes espagnoles.
À partir de là, ils ont créé leur propre label de salsa, car la musique hispano-mexicaine ne se vendait pas très bien à New York, et ils en assuraient la distribution.
À cette époque, une société d’enregistrement de salsa appelée Fania opérait à New York. Ils ont signé un ancien artiste de Fania, Joe Bataan, qui a enregistré un album en espagnol pour eux.
Cet album comprenait un morceau instrumental de Eumir Deodato, que certaines stations américaines de New York ont commencé à diffuser.
Cela se passait au début des années 70, vers 1971, à l’époque où le disco commençait à émerger à New York.
Sous ce label, ils ont acquis les droits de distribution de huit titres aux États-Unis. Ils ont également débuté l’enregistrement de leur propre musique latine sous le label Mericana.
C’est une histoire captivante. Ne comprenant pas les paroles en espagnol, il se rendait en studio avec des groupes de musique méxico-américains qu’ils enregistraient, sans vraiment savoir si c’était bon ou mauvais.
Puis, ils ont signé Joe Bataan.
Ce dernier n’était même pas espagnol, mais afro-philippin. C’est ainsi qu’ils ont nommé son premier album chez Salsoul.
Tout le monde pensait que puisqu’il chantait en espagnol et enregistrait chez Fania, il était portoricain.
Après avoir fait la connaissance de Joe, ils ont produit son premier album, « Sal Soul« , sous le label méxico-américain.
À ce moment-là, ils n’avaient pas encore créé le label Salsoul et n’avaient aucune idée qu’ils allaient lancer un label disco.
En se liant d’amitié avec Joe, lors des premières sessions d’enregistrement, ils ont commencé à passer du temps ensemble et Joe l’a emmené au Queen où il semble y avoir eu une soirée appelée le Monastère.
Ils ont interprété de la musique américaine. Ce qu’ils ont découvert là-bas a véritablement changé leur perception.
C’était la première fois qu’ils assistaient à l’impact de la révolution techno sur les consommateurs.
Jamais auparavant leurs sens n’avaient été aussi stimulés par des enceintes puissantes et des lumières captivantes, les transportant vers une autre dimension.
L’expérience était extrêmement intense, alliant effets visuels et sonores d’une manière inédite. Ils ont joué un disque ordinaire, mais le son était extraordinaire.
Les spectateurs se levaient de leur siège pour envahir la piste de danse.
Étant donné que Joe avait connu un succès avec une chanson instrumentale et malgré les moments difficiles passés avec lui en raison de sa personnalité compliquée, ils ont envisagé de créer leur propre groupe ou orchestre pour connaître à leur tour un succès similaire.
Ce qui s’est passé, c’est que CBS a offert 100 000 dollars pour diffuser sur les stations pop l’un des tubes de Joe Bataan, qui était déjà populaire sur les stations R&B.
Avec cet argent, ils ont choisi de promouvoir « La Botella » de Gil Scott-Heron.
Ensuite, avec cette somme, il s’est rendu à Philadelphie, où tous les disques qu’il appréciait étaient enregistrés par Philly International.
En examinant leur section rythmique, il a constaté que les mêmes musiciens apparaissaient sur tous ses disques préférés : Earl Young à la batterie, Ronnie Baker à la basse, Norman Harris et Bobby Eli à la guitare, Bunny Sigler et Ron Kersey aux claviers, Larry Washington aux congas.
Il a rencontré Vince Montana, le vibraphoniste, qui l’a présenté à la section rythmique.
Ensemble, ils ont enregistré trois chansons.
L’une d’elles a été intitulée « Salsoul Hustle » et le groupe a été nommé le Salsoul Orchestra sous le label Salsoul.
Son idée était que chaque diffusion du disque ferait la promotion du label, car il n’avait pas de budget pour la publicité.
Heureusement, ils ont apporté ce single à CBS, qui avait un droit de préemption car ils avaient financé le projet, mais CBS a refusé.
Ils ont alors décidé de le sortir eux-mêmes grâce à leur propre société de distribution à New York.
Ils l’ont donné à Frankie Crocker, qui l’a adoré et l’a passé environ six fois par jour. Rapidement, le single est devenu un énorme succès.
Ensuite, ils ont commencé à le proposer à d’autres stations dans différentes villes comme Philadelphie.
Ils sont retournés en studio pour enregistrer l’album, qui s’est vendu à environ 450 000 exemplaires, un chiffre impressionnant pour un petit label à l’époque.
Lors de la sortie de l’album, ils ont inscrit les noms de tous les musiciens au dos en gros caractères, une première dans l’industrie.
Ces musiciens étaient très appréciés des disc-jockeys noirs à travers tout le pays car ils avaient contribué aux grands succès de Philadelphie tels que ceux des O’Jays et des Spinners.
C’était une décision délibérée, mais pas pour des raisons de marketing.
Il ne se sentait pas bien.
Ces musiciens représentaient véritablement le son de Philadelphie et n’avaient jamais reçu la reconnaissance qu’ils méritaient.
Il s’était lié d’amitié avec eux et avait compris qu’il travaillait avec des génies.
En studio, ils créaient souvent des morceaux spontanément qui devenaient des succès.
L’histoire raconte que Ronnie Baker s’amusait simplement avec ce riff de « For The Love Of Money », alors ils ont enclenché l’enregistrement et ont écrit la chanson par la suite.
Il est convaincu que le premier album du Salsoul Orchestra a rencontré un grand succès parce qu’il avait mentionné leurs noms au dos de la pochette.
Ils entretenaient une relation très proche avec les DJ, qui servaient de caisse de résonance.
Il avait pour habitude de fréquenter les clubs pour observer leur performance.
Il était fasciné par leur capacité à enflammer le public, par leurs techniques de mixage, le choix des morceaux et la manière dont ils faisaient vivre des montagnes russes émotionnelles à l’audience.
Effectivement, il est vrai qu’il a toujours eu une préférence pour les chansons dynamiques.
Il a remarqué que les clubs n’appréciaient pas les morceaux de trois minutes, les trouvant trop courts.
Les clubs préféraient prolonger les chansons en les mixant.
Lorsqu’ils ont commencé à enregistrer avec la section rythmique, il a dit à Earl, Ronnie et Norman de continuer à jouer.
Ces derniers étaient habitués à structurer leurs morceaux de manière classique : une intro de huit mesures, un premier couplet de 16 mesures, un pont de huit mesures, puis un deuxième couplet.
Ce format de trois minutes convenait bien à la radio commerciale, mais pas aux clubs qui recherchaient des morceaux plus longs.
Il leur a donc suggéré d’improviser et de jouer librement.
Après avoir enregistré la version standard, ils ont continué à jouer, produisant un morceau de huit ou neuf minutes.
La dernière partie s’est avérée être la meilleure.
Il a alors demandé à Walter Gibbons de venir remixer le morceau, ce qui a donné naissance à leur premier maxi vendu.
Cependant, lorsque « Ten Percent » est sorti en single 7″, le succès n’a pas été au rendez-vous.
La version DJ du maxi, avec une face réalisée par lui et l’autre par Walter, a été très appréciée dans les clubs.
Les jeunes acheteurs ont cependant été déçus de ne trouver en magasin que la version 7″.
Cela faisait environ un mois que le produit était sur le marché. Les retours négatifs ont rapidement afflué.
J’ai alors proposé : « Écoutez, donnons aux clients ce qu’ils demandent, mettons en vente le 12 ».
La réponse a été catégorique : « Non ! C’est impossible ». Malgré cela, nous avons pris l’initiative et l’avons fait.
Nous avons été les pionniers dans cette démarche, mais il me semble que c’était inévitable et que cela aurait fini par se produire de toute manière…
Elle l’a rencontré dans un club où il se produisait.
En le regardant jouer, elle a été impressionnée par son talent. Il avait une attitude exceptionnelle, une véritable passion pour la musique et un désir sincère de divertir les gens.
Elle lui a alors proposé : « Que dirais-tu de venir au studio pour mixer un de mes disques ? » Sa réaction a été tellement intense qu’il a failli s’évanouir.
Il se consacrait principalement à la batterie.
Fort de son expérience sur scène, il savait distinguer ce qui fonctionnait de ce qui ne fonctionnait pas. Les pistes ne l’intéressaient guère.
Ce n’est pas qu’il les méprisait, au contraire, il les respectait, mais il n’adoptait pas le regard d’un producteur.
Il les analysait plutôt du point de vue d’un DJ, ce qui était, selon lui, la meilleure approche.
Ainsi, des versions intéressantes et différentes ont vu le jour.
Par exemple, il a conservé la voix de Loleatta Holloway sur le 12″ de « Hit and Run!« , en écartant le premier et le deuxième couplet qu’il jugeait un peu démodés, tout en créant un remix classique.
Walter était totalement imprévisible et mettait ma vie en danger à cause des producteurs !
Il s’est contenté de rire et m’a proposé de le suivre au club.
Une fois sur place, il a d’abord passé la version originale, puis sa propre interprétation.
La différence était saisissante : le public est devenu en délire.
Il a un profond respect pour Walter.
À cette époque, il avait pour habitude d’apporter ces disques dans les clubs avant leur sortie officielle.
Il les confiait à Walter, Larry Levan, et Richie Kaczor au Studio 54, car ils étaient des amis proches.
Il estimait qu’ils avaient une responsabilité plus importante que la sienne.
Leur tâche était de faire fonctionner le club pour que le propriétaire puisse en tirer profit.
Si leur performance n’était pas à la hauteur, ils étaient renvoyés, car le club ne rapportait pas d’argent.
Il était vraiment heureux de les convier au studio pour obtenir leur aide, car la musique qu’il créait et leurs mixages s’harmonisaient à merveille.
Il existe une différence considérable. Le producteur enregistre tous les instruments, fait appel à divers musiciens et réalise les arrangements.
Il s’efforce d’intégrer tous les éléments du point de vue de la structure de la chanson.
Parfois, cela peut devenir trop puissant et un peu confus.
Lorsque Larry Levan a créé « I Got My Mind Made Up », son approche était très axée sur le sol plutôt que sur le studio.
Il n’a pas tout inclus dans les pistes de son mix.
Tom Moulton a appliqué la même méthode sur « Doctor Love » et Tee Scott sur « Love Thang ».
Ils ont retiré les éléments ajoutés par le producteur qui encombraient le son.
Les points forts résidaient dans la batterie et la basse, offrant toujours un son gras pour faire danser les gens.
Earl Young y a beaucoup contribué avec son style de jeu non conventionnel.
Passionné et aimant s’amuser, il tenait ses baguettes à l’envers, frappant la batterie avec l’extrémité épaisse, contrairement aux autres batteurs.
Il estimait que sa musique devait inciter à se lever et danser. Il a été récompensé par Billboard en tant que meilleur batteur disco de l’année.
Cela remonte à encore plus loin. Lorsque Bunny Sigler a présenté le morceau, le motif de batterie était différent.
Il lui a été demandé s’il pouvait revenir en arrière et réenregistrer la batterie avec un motif 4/4 de base, afin d’obtenir une sensation plus dansante.
Walter a commencé, mais Larry a demandé s’il pouvait y apporter sa touche.
L’auteur était allé au Garage et Larry jouait le morceau, le transformant de manière inattendue et le faisant sonner complètement différemment.
Une chance lui a alors été donnée. Ce qu’il a accompli est historique.
Ce n’est pas que Walter n’était pas talentueux, mais Larry a apporté quelque chose de spécial.
C’était une expérience inoubliable de se rendre au Garage et de voir Larry jouer un vendredi soir.
Larry possédait une véritable passion pour la musique et pour son auditoire.
Il était comblé lorsque le public s’enthousiasmait pour ses compositions.
Son talent était tel que les danseurs sur la piste le vénéraient.
En outre, Larry avait une affection particulière pour les percussions, qu’il adorait profondément.
Pour lui, elles incarnaient l’essence brute du Garage.
Il ne pense pas que ce soit de sa faute.
Il n’a pas réussi à lui assurer un grand succès.
Elle a collaboré avec Dan Hartman sur « Relight My Fire » et ensuite sur « Love Sensation ».
Ces morceaux ont bien marché, dominant les classements disco, mais il n’a pas réussi à les faire entrer dans les charts pop.
À cette époque, le son R&B était plus orienté vers le funk.
C’était simplement une question de mauvais timing. C’est une artiste de premier plan.
Il l’a accompagnée dans des clubs et elle est une performeuse live exceptionnelle.
Elle improvise, chante avec passion et est très énergique.
Elle aurait dû connaître un succès bien plus grand.
Il est allé dans des clubs où elle se produisait en live, mais la promotion n’était pas à la hauteur, et il n’y avait peut-être que 100 personnes dans le public.
Cela ne la dérangeait pas; elle offrait une performance comme si 20 000 personnes étaient présentes.
Et ces 100 personnes étaient en délire, c’était le chaos total.
Quand l’industrie du disco s’est écroulée, cela a eu un impact sur eux. Cependant, en 1981 et 1982, ils ont réagi vigoureusement et se sont tournés vers le funk avec des groupes comme Skyy et Aurra.
Les ventes augmentaient, et ensuite le disque était diffusé dans les clubs. Le style musical évoluait, s’orientant vers le funk et le hip-hop.
Joe Bataan a connu un immense succès avec une chanson intitulée « Rap-O Clap-O ».
Larry entretenait une relation assez proche avec des individus tels que Frankie Crocker.
Le Garage était un lieu essentiel pour faire découvrir de nouveaux morceaux.
Dans les années 70, les DJ de radio étaient particulièrement attentifs à ce qui se jouait dans les clubs et intégraient souvent ces morceaux à leurs playlists.
C’est pour cette raison qu’ils ont investi beaucoup d’efforts en direction des clubs. Ils ont eu la chance que leur musique soit très rythmée.
L’approche du mixage de Tom Moulton différait de celle d’autres artistes.
Tom adoptait une méthode plus scientifique et témoignait d’un grand respect envers les producteurs et les musiciens.
Son travail était plus raffiné que celui de Walter. Il a réalisé d’excellents remix, tels que « Disco Inferno » et « Doctor Love ».
Tom a connu beaucoup de succès avec plusieurs tubes, améliorant ainsi les disques.
En revanche, Walter avait une approche non conventionnelle, reconstruisant tout à sa manière.
Larry partageait également cette approche singulière.
C’est pourquoi il est difficile de les comparer, car chacun d’eux a créé quelque chose de totalement distinct.
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Des Racines Musicales Riches et un Début Prometteur Llewelyn Randolph Kirton, né en 1948 à St Michaels, Barbade, Antilles. Décédé le 22 janvier 2022 à Philadelphie, Pennsylvanie, États-Unis. Lew Kirton est originaire des Antilles, une région connue pour sa riche culture musicale et ses paysages paradisiaques. Né dans une famille passionnée de musique, il a rapidement été immergé dans cet univers vibrant. Il était d'abord connu sous le nom de […]
