Les 50 plus grandes chansons de Philadelphia International Records

Philadelphia International Records, il y a cinquante ans, deux des plus célèbres producteurs de musique, Kenneth Gamble et Leon Huff, sortaient le premier album de leur nouveau label.

The Sound of Philadelphia promettait un son nouveau pour les classiques de la pop, et pendant les dix années suivantes, les tubes de leurs artistes ont dominé les listes de chansons partout, d’ici au Zimbabwe.

À la fin des années 1960, un nouveau label fondé par deux grands noms de la musique commence à produire des disques qui font paraître dépassés la pop-soul et le rhythm and blues sudiste, les styles musicaux dominants des Noirs américains au cours des décennies précédentes.

Le nouveau label propose un son frais et actualisé pour la décennie à venir, créé par des auteurs, des producteurs et des musiciens d’élite de Philadelphie.

The Sound of Philadelphia a connu un succès immédiat auprès des amateurs de musique du monde entier.

En 1971, Kenny Gamble et Leon Huff fondent Philadelphia International Records sur les cendres de Neptune Records.

La société se concentre sur le développement de nouveaux artistes R&B enracinés dans le riche patrimoine musical de leur ville natale.

Gamble et Huff ont créé des succès locaux pour des groupes tels que les Soul Survivors (« Expressway to Your Heart ») à la fin des années 60, ainsi que pour le single « Cowboys to Girls » des Intruders.

Ils ont également écrit et produit des tubes pour des stars nationales comme Jerry Butler (« Only the Strong Survive ») et Wilson Pickett (« Engine No. 9 »), se révélant – avec les arrangeurs Thom Bell, Bobby Martin et Norman Harris – comme les principaux architectes sonores de la soul de Philadelphie.

Grâce à leur travail avec Philadelphia International, Gamble et Huff ont transformé la ville en Motown des années 70 : mélodies douces, arrangements luxuriants…

Au cours de leur carrière, Barry et Greenwich ont remporté de nombreux succès avec des paroles qui célébraient l’amour.

Mais ils ont également écrit des chansons dans lesquelles les relations se terminaient de manière tragique, un schéma caractéristique de la plupart des musiques des années 60

Ils pouvaient être aussi fougueux dans leurs chansons de protestation que nuancés dans leurs œuvres plus longues qui abordaient des luttes personnelles aussi bien que des questions sociales.

Les chansons que Gamble et Huff ont produites à cette époque figurent parmi les disques les plus influents de leur époque. (Gamble et Huff ont récemment évoqué cette époque avec Mitchell).

Pour marquer le 50e anniversaire de la fondation de Gamble & Huff, une station Sonos Radio spéciale appelée « The Sound Of Philadelphia » sera lancée.

Cette station est animée par le légendaire auteur-compositeur et producteur Kenny Gamble, l’un des membres du premier duo à succès de Gameblop/Hollywood Records (devenu #MAGteam en 2017).

Billboard a dressé une liste des favoris du magazine depuis sa création il y a 22 ans.

À l’instar des sorties du début des années 70 de groupes phares de Philadelphia International tels que Harold Melvin and the Blue Notes et The O’Jays, les efforts du milieu de la décennie ont ramené des artistes de PIR tels que Dee Dee Sharp (le premier artiste à avoir obtenu trois numéros 1 au classement Hot Soul du Billboard) et Lou Rawls.

Plus tard, Patti LaBelle et Phyllis Hyman, deux vedettes du R&B, ont également enregistré pour PIR au cours de cette période.

Tous les artistes moins connus sont également inclus, issus des labels subsidiaires de Philadelphia International tels que TSOP Records et Gamble Records.

 

50. McFadden and Whitehead, “Love Song Number 690 (Life’s No Good Without You)” (I Heard It in a Love Song, 1980)

 

 

Gene McFadden et John Whitehead ont écrit tellement de tubes qu’ils méritaient d’avoir leur propre aile de Philadelphia International Records, le label qui a d’abord présenté les O’Jays et Harold Melvin & The Blue Notes.

Les deux albums du duo pour la famille PIR étaient remplis de joyaux, y compris cette fin à la construction lente de l’album I Heard It in a Love Song de 1980.

La ballade suppliante transcende son titre générique avec une outro prolongée, dans laquelle l’intensité des ad libs du duo, de plus en plus désespérés et effilochés, reçoit un coup de fouet grâce à l’accélération disco.

 

49. Jean Carn, “My Love Don’t Come Easy” (When I Find You Love, 1979) 

 

 

Jean Carn, une chanteuse de jazz qui s’est révélée plus qu’habile dans les domaines de la pop, de la soul et du disco – mais qui n’a jamais atteint le succès qu’elle méritait – a fourni plusieurs des meilleures productions de Gamble et Huff à la fin des années 1970.

Sur « My Love Don’t Come Easy », le premier single de son prochain album Do Not Disturb, Carn glisse sur un shuffle disco à la tonalité invitante avec un ordre séduisant : Mon amour ne vient pas facilement/ Pas ce soir.

 

48. Lou Rawls, “The Wind Beneath My Wings” (When the Night Comes, 1983)

 

 

La chanson a été enregistrée pour la première fois par Rawls, qui a publié sa version en mars 1983.

La version de Gary Morris de cette chanson a été un succès quatre mois avant que Bette Midler ne la chante dans Beaches et six ans avant que sa version ne devienne populaire.

La façon dont la version de Rawls de la chanson, avec son introduction parlée, se distingue des autres versions nous rappelle son style de chant expressif.

 

47. The O’Jays, “I Love Music” (Family Reunion, 1975)

 

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Gamble et Huff ont écrit, produit et arrangé cette lettre d’amour à la musique.

Le message est simpliste – à l’automne 1975, alors que le disco chauffait mais que les paroles étaient reléguées au second plan : un groove d’enfer = le succès – mais les O’Jays l’interprètent avec une passion qui transcende même les mots les plus basiques (« Let’s Groove Tonight ! / Disco feels alright tonight… I wanna dance again… Let me hear you say YEAH !! »).

Après avoir disparu des yeux du public pendant trois ans, le boys band préféré des Américains est revenu avec un single à succès.

Le titre phare de leur quatrième album studio PIR, Family Reunion, a connu un succès immédiat : « I Love Music » est devenu le premier tube du groupe à se classer dans les cinq premières places du Billboard Hot 100 en près de trois ans.

 

46. The Intruders, “I Wanna Know Your Name” (Save the Children, 1973)

 

 

D’autres groupes étaient plus étroitement associés à Gamble & Huff – par exemple, les Dells ont créé 5 de leurs 10 meilleurs succès alors qu’ils travaillaient comme producteurs pour Philadelphia International Records.

« I Wanna Know Your Name », tirée de Black Magic (1973), le premier album des O’Jays à atteindre le top 10 des charts R&B, est une démonstration luxuriante de la façon dont ces garçons de Philadelphie ont su insuffler à leurs chansons une douce nostalgie.

 

45. Harold Melvin and the Blue Notes, “Bad Luck” (To Be True, 1975)

 

 

C’est l’une des transformations les plus miraculeuses de Philadelphia International Records : le personnel devient politique. Sur un rythme endiablé, Teddy Pendergrass nous raconte sa vie pleine de poisse : poches vides, femme partie – il est prisonnier du temps, mais cela ne le rend pas fou

La musique s’éteint et le rythme reprend, tandis que Teddy prononce une sorte de discours politique – ou de sermon – à l’intention des « peuples du monde ».

Le prix de l’essence a augmenté et l’économie est en récession.

Dans le journal d’aujourd’hui, j’ai lu que les pauvres ont été oubliés par notre président.

(Six mois avant la sortie de « Bad Luck », le président Richard Nixon avait démissionné).

Alors que le morceau commence à s’estomper, Pendergrass chante les louanges de Jésus, l’ultime porte-bonheur.

 

44. Billy Paul, “Let’s Make a Baby” (When Love Is New, 1975)

 

 

La chanson « Let’s Make a Baby », que Jesse Jackson a apparemment trouvée si immonde au milieu des années 1970 qu’elle l’a incité à faire campagne pour des ondes FM plus propres, est en fait assez chaste compte tenu de son titre.

Contrairement à la plupart des chansons qui parlent de faire des bébés et qui utilisent l’expression avec euphémisme (pensez à Ne-Yo : « Tonight I ma make that booty pop/ Like it ain’t been popped !

« Tonight I’ma make that booty pop/ Like it ain’t been popped in a while ! »), Billy Paul semble sincèrement excité à l’idée de mettre une autre vie au monde.

Cette chanson pop douce a été un succès auprès du public depuis sa sortie en 2010, et on ne peut qu’imaginer le nombre de bébés qu’elle a inspirés au fil des ans.

 

43. Spiritual Concept, “Get It On” (Spiritual Concept, 1972)

 

 

Spiritual Concept, un groupe de funk pur et dur issu d’un label qui n’est pas vraiment connu pour ce son, sonnait comme la réponse de Philly à Funkadelic – crachant de méchantes faces fumantes de rock post-Hendrix comme l’injustement négligé « Get It On ».

Spiritual Concept n’a peut-être pas été l’attraction principale du PIR, mais il a certainement apporté un peu de saveur à un mélange autrement terne.

 

42. The Jacksons, “Enjoy Yourself” (The Jacksons, 1976)

 

 

Il s’agit du premier single des Jacksons après avoir quitté la Motown pour Epic/PIR (et changé leur nom de Jackson 5).

Écrit par Gamble et Huff, « Shake Your Body (Down to the Ground) » contient une guitare funky et une invitation souvent répétée.

Un succès que les auditeurs ont accueilli avec joie, puisque « Enjoy Yourself » est devenu le premier tube du groupe à figurer dans le top 10 du Hot 100 depuis près de trois ans.

Ce n’était qu’une question de temps avant qu’ils ne connaissent un succès encore plus grand, à la fois pour eux-mêmes et surtout pour leur jeune chanteur.

 

41. Dee Dee Sharp, “Real Hard Day” (Happy ‘Bout the Whole Thing, 1975)

 

 

L’album de 1975 de Dee Dee Sharp, Happy ‘Bout the Whole Thing, met en évidence toute l’étendue de sa voix et de son âme.

Dans ce morceau aux accents de jazz, Mme Gamble (Sharp) trouve des moyens éloquents pour décrire une dure journée passée à s’occuper de la maison et des enfants, sans que cela ne paraisse trop dramatique.

« Je ne me plains pas », souligne-t-elle à un moment de la chanson, « je ne fais que constater un fait ».

Les paroles de cette vieille chanson « Good Little Wife » peuvent faire grimacer certains aujourd’hui, mais la passion qui anime la voix de Sharp – alors qu’elle exprime un sentiment qui continue de résonner pour de nombreuses femmes plus de 40 ans plus tard – est indéniable.

 

40. Patti LaBelle, “The Spirit’s In It” (The Spirit’s In It, 1981)

 

 

Le premier album de Patti LaBelle après son passage d’Epic à PIR s’intitulait avec justesse : « The Spirit’s in It ».

Dès l’instant où son ouverture gémissante cède la place à un groove soyeux, à des trompettes en sourdine et à une batterie endiablée, il est clair qu’elle n’a pas l’intention de s’endormir sur ses lauriers.

Pendant six minutes, « Spirit » marie la propulsion disco à la ferveur gospel et ne se relâche jamais dans aucun des deux cas.

Bien qu’il n’ait connu qu’un succès commercial modeste à l’époque (il sera plus tard réédité en single), il a préparé le terrain pour ce qui allait devenir son plus grand succès commercial : I’ve Got So Much to Give, en 1978 : I’ve Got So Much to Give (1978).

 

39. Teddy Pendergrass, “I Don’t Love You Anymore” (Teddy Pendergrass, 1977)

 

 

Vous vous êtes fait larguer ? Vous rebondirez après avoir écouté cette chanson étonnamment optimiste, qui témoigne du couplet de Gerald Pendergrass sur les ruptures :

Sur un fond sonore vibrant, elle chante : « Je ne t’aime plus/ C’est aussi simple que ça-non ! non ! non!/Une telle honte … une sale honte.

En plus d’être une démonstration de vengeance, les paroles font également référence à la propre rupture de Pendergrass avec Harold Melvin & the Blue Notes – dont le chanteur principal est parti vers le succès en solo après avoir essayé pendant des années de pousser Pendergrass vers la sortie.

 

38. MFSB, “K-Jee” (Universal Love, 1975)

 

 

Le deuxième placement le plus notable dans la culture pop d’une chanson de MFSB, le groupe maison du PIR, a eu lieu deux ans après la sortie initiale de « K-Jee », lorsque l’instrumental joué au piano électrique a été utilisé dans la bande originale de l’album de John Travolta pour La Fièvre du samedi soir.

Le numéro de danse du couple portoricain sur la chanson « Oye Mi Canto » a été diffusé en arrière-plan, tandis que Tony et Stephanie ont injustement remporté la première place pour leur performance.

Mais « K-Jee » n’a jamais eu besoin de la validation de John Travolta pour être un brûlot confirmé : la chanson est si contagieuse que n’importe qui aurait l’air en feu en dansant sur ses cuivres et ses cordes explosives chaque fois qu’elle est jouée.

 

37. Dexter Wansel, “The Sweetest Pain” (Time Is Slipping Away, 1979)

 

 

Né à Philadelphie, Dexter Wansel est un musicien et producteur lauréat d’un Grammy Award, décrit par Gamble comme étant « aussi talentueux que Quincy Jones« .

Avec quelques ajustements, « The Sweetest Pain » aurait pu être un grand succès disco.

Mais ce qu’il a créé à la place est un chef-d’œuvre de bonheur mélancolique : des cordes tranquilles, des tambours qui massent, des cloches qui carillonnent comme la pluie sur le rebord de la fenêtre

Une performance vocale qui suscite tellement d’émotions que les auditeurs peuvent à la fois les ressentir et les comprendre plus de 40 ans plus tard.

 

36. The O’Jays, “Stairway to Heaven” (Family Reunion, 1975)

 

 

Les O’Jays ont toujours considéré les chansons d’amour lentes comme leur point fort, et cette ballade de séduction – la face B de « Trouble Man », un single d’imitation soul de 1970 – est devenue l’un des premiers succès radiophoniques de la tempête silencieuse.

La performance vocale d’Eddie Levert est nuancée et sincère, commençant par une voix bourrue qui glisse ensuite vers un falsetto délicat tandis que les cordes s’élèvent autour de lui.

L’appel et la réponse dans cette chanson – « Don’t you want to go ? »; « then take my hand, we’ll be free… on earth » – montrent clairement à quiconque entend le plaidoyer de la voix apaisante de Levert que partir avec lui est une très bonne idée !

 

35. Jones Girls, “Nights Over Egypt” (Get as Much Love as You Can, 1981)

 

 

Avec un groove post-disco juste assez tueur (et décalé) pour vendre le stupide voyage africain des paroles : « Take a caravan/ across Sudan’s desert sands-the Saharan facade/ Is just mirage » (Prenez une caravane/ à travers les sables du désert du Soudan/ La façade saharienne/ N’est qu’un mirage), ce classique des clubs est toujours aussi inapproprié et accrocheur.

Under the influence of love » de Dexter Wansel est un classique dont les fans chantent le refrain quelle que soit la chanson qui suit.

Bien que « Nights Over Egypt » n’ait pas été un succès lors de sa sortie en 1981, elle est devenue depuis la chanson la plus écoutée sur Spotify, et de loin, parmi les titres de Shalamar, et l’un des fantasmes d’évasion les plus insondablement charmants (bien que datés) de son époque.

 

34. The Ebonys, “It’s Forever” (The Ebonys, 1971)

 

 

Il commence lentement et peut sembler interminable à certains, mais les sept minutes et plus nécessaires à ce dévouement en valent la peine si vous vous y engagez de tout votre cœur.

Mais grâce à l’interaction gratifiante entre le baryton et le fausset du groupe, et à l’arrangement moelleux de Bobby Martin – deux minutes qui en paraissent trois – la chanson est suffisamment longue pour que l’on s’y investisse.

Le premier single de Trey Songz, « Gotta Make It », emprunte beaucoup à la chanson « Fill Me In » de Craig David.

 

33. Billy Paul, “East” (Going East, 1971)

 

 

Lorsque Billy Paul arrive au PIR en 1970, son son est très éloigné du « Me And Mrs. Jones » lisse comme de la pommade qui l’a rendu célèbre.

Jones est bientôt connu comme le « fils de Philadelphie », un homme célèbre dans tout le pays.

Au lieu de cela, le mélodieux troubadour a mélangé des épices du Moyen-Orient avec le soulful Brotherly Love et le jazz de sa jeunesse pour des entrées délectables comme « East ».

Il a sorti un single de six minutes et demie qui a été bien accueilli par sa maison de disques, mais qui ne s’est pas vendu.

 

32. Phyllis Hyman, “Meet Me on the Moon” (Prime of My Life, 1991)

 

 

Cette chanson, le chef-d’œuvre de Phyllis Hyman et l’un des grands moments du deuxième album de Philadelphia International Records, a tout pour plaire : une performance vocale puissante de la part de Mme Hyman, qui délivre des paroles qui vont subtilement crescendo au bout de cinq minutes dans ce morceau phare de l’album R&B de l’artiste.

La chanteuse étire le mot « Meet » pendant près de sept secondes, sa voix faisant preuve d’une maîtrise vocale envoûtante.

La chanson n’est pas explicitement triste, mais l’ambiance créée par Hyman est indubitablement mélancolique, comme si elle suppliait qu’on l’emmène loin de la Terre, non pas par pure fantaisie, mais parce que la vie ici est devenue insupportable.

 

31. Harold Melvin and the Blue Notes, “Don’t Leave Me This Way” (Wake Up Everybody, 1975)

 

 

Alors que la reprise disco de Houston a atteint le sommet du Hot 100 et est devenue plus tard un hymne de deuil pendant la crise du VIH/SIDA, sa première version – par Harold Melvin & The Blue Notes avec Teddy Pendergrass à la voix principale – a été interprétée en anglais.

La version originale du groupe est un classique à part entière.

Avec sa batterie disco et son énergie bondissante, elle pétille d’optimisme, même si la voix de Teddy menace de vous abattre à tout moment pendant cette explosion de soul de six minutes.

 

30. People’s Choice, “Do It Any Way You Wanna” (Boogie Down U.S.A., 1975)

 

 

En 1975, le groupe de funk People’s Choice est passé à deux doigts d’atteindre le Top 10 avec « Do It Any Way You Wanna ».

Cependant, c’est la ligne de basse qui parle le plus, avec les orgues qui interviennent de temps en temps.

Ce n’est pas aussi profond que « Everyday People » ou même « It’s Your Thing », mais l’ère du disco était encore une période de grands changements en Amérique et il fallait rappeler aux gens qu’ils ne pouvaient pas toujours faire ce qu’ils voulaient.

 

29. The Stylistics, “Hurry Up This Way Again” (Hurry Up This Way Again, 1980)

 

 

Les Stylistics ont passé la majeure partie des années 1970 en tant que groupe royal de Philly Soul sur Avco Records, avec des succès (« Betcha By Golly Wow », « You Are Everything ») produits et coécrits par Thom Bell, partenaire créatif de longue date de Gamble & Huff.

Les Stylistics se séparent de leur producteur, Thom Bell, après une décennie de succès.

Au début des années 1980, ils font à nouveau équipe avec Bell chez Philadelphia International Records (PIR).

Bien que le single de retour « Hurry Up This Way Again » ne leur permette pas de revenir dans le Hot 100, il les ramène dans le top 20 des R&B Songs avec un groove scintillant et modernisé des années 80.

Ce son a été rapidement absorbé par l’écosystème de la musique pop et s’est retrouvé sur le premier album de Jay-Z, Reasonable Doubt.

 

28. Shirley Jones, “Do You Get Enough Love” (Always in the Mood, 1986)

 

 

En 1986, lorsque les Jones Girls ont sorti « Do You Get Enough Love » (leur seul numéro un au classement des chansons R&B du Billboard), Shirley Jones, membre du groupe, a réussi ce que son groupe d’origine n’avait jamais réussi à faire.

L’interprétation de Jones, avec son enjouement et ses remplissages de piano frénétiques qui se matérialisent toutes les quelques mesures, évite à la chanson d’être carrément moqueuse.

Et lorsque Jones prend une voix théâtrale pendant la pause instrumentale de la chanson – « Yeah I like messing around / But only with you » – cela ajoute une couche supplémentaire inattendue à cette ballade non conventionnelle.

 

27. The O’Jays, “Love Train” (Back Stabbers, 1972)

 

 

La chanson « Love Train » des O’Jays, un appel à l’unité entre les peuples du monde entier – avec un clin d’œil à l’Angleterre, à la Russie et à la Chine, ainsi qu’à l’Égypte – « est indéniablement joyeuse ».

Il a été publié pendant la période de Noël 1972, alors que les bombardements américains sur le Nord-Vietnam étaient à leur apogée.

Les O’Jays entament « For the Love of Money » avec une mélodie de guitare entraînante et un jeu de réponse avec des cordes, avant qu’Eddie Levert, Walter Williams et William Powell ne se lèvent à l’unisson pour chanter « let this train keep on riding » (que le train continue à rouler).

La chanson est devenue numéro 1 en mars 1973, mais son intemporalité a été prouvée encore plus lorsque Justin Timberlake et Anna Kendrick ont collaboré avec James Corden et Ron Funches pour une version à double vitesse du morceau pour l’émission spéciale Trolls Holiday TV de 2017.

 

26. Dexter Wansel, “Theme From the Planets” (Life on Mars, 1976)

 

 

Si ces percussions initiales, nettes comme des Pringles, vous sont familières, c’est probablement parce que vous les avez entendues… un peu partout au cours des quatre décennies et demie passées.

« Theme From the Planets » est une de ces chansons où il serait probablement plus simple de lister ceux qui ne l’ont pas samplée, car ces percussions toujours fraîches, jamais éventées, sonneront toujours bien dans n’importe quel contexte – et parce que le reste de l’instrumental tranquillement funky regorge de finitions sonores tout aussi intemporelles, avec une basse dub, des synthés plaintifs, et un saxophone qui sonnerait toujours doux sur la lune volcanique Io de Jupiter.

 

25. The Jacksons, “Show You the Way to Go” (The Jacksons, 1976)

 

 

« Enjoy Yourself » a été le plus grand succès de l’album « The Jacksons », mais le single qui a suivi, « Show You the Way to Go », était tout simplement un peu plus magnifique, un mariage gagnant d’une voix de MJ admirablement retenue – avec le chanteur principal également enregistré en multipistes pour fournir ses propres harmonies – et une bande sonore d’accompagnement typiquement exaltée de Gamble/Huff.

« Laisse-moi te montrer le chemin à suivre / Suis-moi, suis-moi », insiste Jackson sur des cordes doucement encourageantes et une guitare approbatrice, et il y a de fortes chances que vous soyez tout de suite avec lui.

 

24. Lou Rawls, “Early Morning Love” (Unmistakably Lou, 1977)

 

 

La capacité innée de Gamble & Huff à capturer un moment dans le temps et à le rendre précieux est au cœur de cette ballade tirée du second album PIR de Lou Rawls, Unmistakably Lou de 1977.

Sur une piste épurée accentuée par la guitare et les cordes – plus un chœur d’airain criant « alléluia » vers la fin – le duo explore de manière éloquente la magie de l’amour et l’atteinte d’une « extase totale… lorsque la vie est entre le jour et la nuit ».

Tout aussi impressionnante est la tendresse émanant de la voix rauque de Rawls lorsqu’il note : « L’amour du petit matin… quelle façon de commencer la journée du bon pied. » Pas besoin d’en dire plus.

 

23. Patti LaBelle, “Love, Need and Want You” (I’m in Love Again, 1983)

 

 

Souvent samplée, jamais égalée (bien que l’interprétation « Dilemma » de Nelly/Kelly Rowland s’en soit damnée près), « Love, Need and Want You » de Patti LaBelle trouve la diva et le label s’adaptant au son contemporain adulte des années 80 sans sacrifier aucune de l’authenticité organique du son soul de Philly.

Co-écrite par Gamble et Bunny Sigler, elle se vante de plus de moments accrocheurs que la plupart des ballades de cinq minutes, mais ce sont les vocaux décontractés et séduisants de LaBelle qui poussent cette chanson de « je-vais-bien-et-tu-vas-bien » à « paradis ».

 

22. MFSB feat. The Three Degrees, “Love Is the Message” (Love Is the Message, 1973)

 

 

Il y a des paroles ici, techniquement, fournies par le groupe de filles respecté de Philadelphia International, The Three Degrees.

Mais ce n’est pas la partie de la chanson que tout le monde se rappelle vraiment.

Plutôt, « Love Is the Message » est légendaire pour sa section finale prolongée – qui pouvait durer jusqu’à six minutes sur certains des remixes de 12 pouces – dans laquelle la basse et les percussions décollent, et des solos vraiment extatiques de Leon Huff au piano électrique et de Zack Zachery au saxophone alto élèvent la chanson de plus en plus haut dans les cieux à chaque minute.

« Message » a été un petit succès dans les charts mais est devenu un classique de la disco de New York, remixé et samplé à mort, toujours en prolongeant la groove finale de plus en plus longtemps, un message dont personne ne s’est jamais lassé de recevoir.

 

21. Harold Melvin and the Blue Notes, “If You Don’t Know Me By Now” (I Miss You, 1972)

 

 

Harold Melvin a pris la tête de l’affiche avec les Blue Notes mais, en tant que leader du groupe, il a déplacé le batteur Teddy Pendergrass aux vocaux principaux pour les plus grands succès du groupe, y compris cette douce et brûlante chanson d’amour de 1972 – le premier top 10 du groupe sur le Hot 100.

« If You Don’t Know Me By Now » est un face à face soul pour un couple qui est ensemble depuis « dix longues années », déplore Pendergrass, dont les appels angoissés à la fidélité s’élèvent au-dessus de l’un des arrangements orchestraux les plus luxuriants et épiques de Bobby Martin.

Gamble et Huff ont partagé le Grammy Award de la meilleure chanson rhythm & blues pour « If You Don’t Know Me By Now » – mais pas avant 1989, lorsque la version reprise par Simply Red a éclipsé le succès de l’original, en tête du Billboard Hot 100.

C’était l’une des nombreuses reprises réussies de la chanson – y compris une version live des années 80 presque définitive de Patti LaBelle de PIR, pour qui la chanson avait été écrite à l’origine – mais rien ne se compare vraiment à l’inoubliable original des Blue Notes.

 

20. Billy Paul, “Am I Black Enough For You?” (360 Degrees of Billy Paul, 1973)

 

 

Accroché à un vamp de clavinet et entrelacé de distorsion de guitare cosmique, le successeur de Paul à « Me & Mrs. Jones » a laissé derrière lui le public crossover qui l’avait adopté et s’est adressé directement à la communauté noire avec un cri de ralliement pour l’autonomisation personnelle : ne souffrez plus, utilisez votre esprit, pas vos poings, et ne vous arrêtez pas avant que la liberté n’arrive.

Plein de funk et de douleur, sa promesse de rester Noir face à l’adversité était un rejet audacieux du succès pop pour la politique de révolution – tristement reflété dans son succès limité dans les charts, la chanson s’étant arrêtée à la 79ème place du Hot 100 – et tant Philly International que Paul lui-même passeraient des années à essayer d’équilibrer ces impulsions.

 

19. Jones Girls, “Who Can I Run To?” (The Jones Girls, 1979)

 

 

« You’re Gonna Make Me Love Somebody Else » était le morceau A-side rythmé, le seul hit du groupe dans le top 40 du Hot 100, et un joyau en soi. Mais la face B, la ballade soupirante « Who Can I Run To? » l’a presque éclipsée avec son balancement hypnotiquement lent, guidé par des claviers doux et des éclats de guitare sucrée.

C’est une si parfaite groove de style dimanche matin discrète que vous ne voulez presque pas que des voix viennent l’interrompre – mais une fois qu’elles le font, grâce à la chanteuse principale Shirley Jones et aux choristes Brenda et Valorie, leur angoisse sans but s’avère tout aussi envoûtante.

Le potentiel de la chanson dans les charts a été validé des décennies plus tard, lorsqu’une interprétation fidèle du quatuor R&B d’Atlanta, Xscape, l’a propulsée dans le top 10.

 

18. Teddy Pendergrass, “Love T.K.O.” (TP, 1980)

 

 

Cette ballade, deuxième single du quatrième album de Teddy Pendergrass, TP, a contribué à consolider sa réputation de leader des ballades romantiques du R&B de l’époque.

Pendergrass installe un groove sensuel de basse rampante et de touches ondulantes, puis le suit pendant cinq minutes entières en chantant qu’elle a été défaite pour la deuxième fois par le bon crochet de l’amour.

Cecil Womack, frère cadet du grand chanteur de soul Bobby Womack, a coécrit et produit la chanson.

David Oliver a connu un petit succès avec « Lookin’ For A Love » en juillet 1980 ; Mercury Records en a fait son premier single.

L’interprétation de Teddy est sortie quelques mois avant celle de Pendergrass, mais c’est Teddy qui remporte toujours la palme du knock-out.

17. Dee Dee Sharp, “O-o-h Child” (Happy ‘Bout the Whole Thing, 1975)

 

 

L’album Happy ‘Bout the Whole Thing, sorti en 1975, est une vitrine vocale pour l’ancienne idole des jeunes Robert Sharp, célèbre pour son interprétation de « Mashed Potato Time » depuis l’âge de 17 ans.

Une reprise de « I’m Not in Love » de 10cc, qui était elle-même un remake de Harold Melvin and the Blue Notes, a repris un succès pop récent.

Mais c’est sur une reprise de « O-o-h Child » des Five Stairsteps que Sharp s’est enfin sentie libre de se pavaner, soudain comme une gymnaste olympique, et elle a fait honneur à sa réputation.

La pop-soul remaniée de l’original a été transformée en un sermon dominical lent, commençant simplement par un piano et une voix avant de se développer progressivement jusqu’à une coda explosive d’une minute – une explosion de gospel pur qui a éclaté lorsque Sharp s’est réjoui, a doublé le rythme et a gratté les chevrons tout en prêchant sur la liberté.

 

16. Edwin Birdsong, “Cola Bottle Baby” / “Phizz-Phiss” (Edwin Birdsong, 1979)

 

 

Les synthétiseurs qui grincent, les cymbales qui s’entrechoquent et les rythmes inhabituels de « Cola Bottle Baby » auraient pu être trop forts pour la radio à la fin des années 1970, mais cette odyssée spatiale future-funk des rockers expérimentaux Steely Dan est toujours un délice à écouter.

Grâce à Daft Punk, la chanson « Cola Bottle Baby » d’Edwin Birdsong a connu une nouvelle vie ces dernières années.

Même quatre décennies après sa sortie, rien d’autre n’a le même goût que l’étrange étincelle intergalactique de cette gâterie disco-funk tordue, qui continue de percoler directement dans le premier album éponyme de Birdsong sur PIR.

 

15. Jean Carn, “Don’t Let It Go to Your Head” (Happy to Be With You, 1975)

 

 

Bacharach et David, qui ont fourni à Gamble et Huff la plupart de leurs textes, n’ont jamais écrit de ballade aussi désarmante dans sa fragilité, ni aussi intelligemment autoréférentielle.

Ce titre était soutenu par un accompagnement soul discret qui menaçait toujours d’exploser en disco mais ne le faisait jamais complètement ; c’est un morceau où la retenue est merveilleusement payante.

Dans l’interprétation de « Now That You Know I Can’t Live Without You » par le duo, Jean Carn incarne Warwick qui supplie gentiment son nouvel amour de ne pas profiter du pouvoir qu’il a sur elle :

A la manière d’une personne angoissée d’en avoir trop révélé et de s’être rendue vulnérable.

C’est un disque impeccable, plein de petits moments parfaits, dont beaucoup ont été recyclés par des artistes allant du groupe de rap new-yorkais Brand Nubian à la fembot suédoise d’électro-pop Robyn.

 

14. The Intruders, “I’ll Always Love My Mama” (Save the Children, 1973)

 

 

Chaque année, lors de la fête des mères à Philadelphie, on peut être sûr que les Intruders passent à la radio.

Leur chanson « Cowboys to Girls » est l’une des plus grandes odes aux mères jamais enregistrées par un groupe pop ou R&B.

Dans « I’ll Always Love My Mama », la coscénariste Gamble s’est épanchée sur sa propre mère Ruby, sans aucune complaisance.

La musique du groupe est vendue grâce à la sincérité du chant de Sam Brown, et développée par leur hilarante section nostalgique (« Je pense que Pops buvait plus de vin que nous ! ») ainsi que par une pause instrumentale comprenant des interprétations au banjo de standards du rock classique.

Le riff de guitare et l’appel et la réponse des cuivres qui ponctuent le groove prouvent que Mama peut encore s’amuser, y’know.

 

13. Phyllis Hyman, “Living All Alone” (Living All Alone, 1986)

 

 

En collaboration avec les membres du PIR Kenny Gamble et Cynthia Biggs, Dexter Wansel a écrit cette chanson de 1986 qui parle d’une femme qui quitte son homme à cause de sa possessivité.

Ce fut un succès R&B n° 12 pour Phyllis Hyman.

Les paroles de la chanson sont complétées par la production complexe de Wansel, chaque instrument – ici un sifflet et un triangle, ailleurs une guitare rock et des cuivres – étant placé avec précision pour obtenir l’effet le plus dramatique.

La voix de Joan Hyman était l’une des plus évocatrices de la musique.

Sa voix passionnée sur le refrain (« Whoa oh, I can’t stand this living all alone ! ») persiste longtemps après que la dernière note se soit éteinte.

Non seulement vous ressentez la douleur de Hyman, mais vous frissonnez en l’entendant : malheureusement, elle s’est suicidée à 45 ans, en 1995, après une longue lutte contre les troubles bipolaires

 

12. Harold Melvin and the Blue Notes, “Wake Up Everybody” (Wake Up Everybody, 1975)

 

 

Le quatrième album PIR de Harold Melvin and the Blue Notes, Wake Up Everybody, contient leur dernière chanson avec Teddy Pendergrass avant qu’il ne parte pour une carrière solo.

Le monde ne s’améliorera pas si nous nous en remettons au destin.

Pendergrass chante avec une chaleur et une inquiétude qui aident les auditeurs à comprendre le message de la chanson.

Gene McFadden et John Whitehead ont écrit « Ain’t No Stoppin’ Us Now », un hymne repris par la suite par de nombreux artistes, dont Stevie Wonder.

Le duo avait auparavant coécrit la chanson « Freedom Train », fréquemment enregistrée.

 

11. The O’Jays, “For the Love of Money” (Ship Ahoy, 1973)

 

 

La chanson « For the Love of Money » des O’Jays, qui a atteint la neuvième place du Hot 100 en 1973 et qui est l’une de leurs chansons les plus connues, démontre également qu’ils avaient une vision musicale qui allait au-delà du succès des singles et qu’ils faisaient de la place à des éléments de jam-band exploratoires au sein de la musique pop.

 

La ligne de basse de la chanson, immédiatement reconnaissable – une menace rampante, imbibée d’échos – a fourni la toile de fond musicale parfaite à l’éthique de l’enrichissement rapide qui s’est emparée de l’Amérique dans les années 70.

L’état de délabrement de la maison vous rend nerveux, comme si, à tout moment, le bâtiment entier pouvait s’effondrer.

 

10. Teddy Pendergrass, “Close the Door” (Life Is a Song Worth Singing, 1978)

 

 

En seulement trois mots, « Close the Door » – moins comme une demande que comme une simple suggestion, mais certainement pas sans la moindre force – Teddy Pendergrass en dit plus sur les relations que beaucoup d’artistes en disent dans des chansons entières.

Cette chanson est l’un des grands moments de l’histoire du R&B, l’ancien Blue Note confirmant sans conteste son pouvoir de star solo sur un lit de flûte et de cordes, et avec un rythme qui maintient le pouls de ce petit numéro sulfureux juste un peu plus rapide que prévu.

La déclaration de solidarité de Pendergrass avec les femmes du monde entier a fait de lui l’un des principaux acteurs du rhythm and blues au tournant de l’année 1980.

 

9. Patti LaBelle, “If Only You Knew” (I’m in Love Again, 1983)

 

 

Bien que le tube de Patti Smith « If Only You Knew » ait été un succès en 1983, la chanson raconte l’histoire d’une femme timide qui ne sait pas comment aborder son futur amoureux, loin de la prostituée sûre d’elle de Labelle dans « Lady Marmalade » en 1975.

Biggs, Wansel et Gamble ont écrit et produit le morceau, qui met en valeur les remarquables capacités vocales de LaBelle.

Sa voix chaude et intime confère une profondeur émotionnelle à ses textes.

Le chant de Mme Patti sur les refrains est particulièrement envoûtant ; elle émet des notes si aiguës qu’elles vous glacent le sang.

En plus de devenir le premier succès solo de LaBelle au Hot 100 et son premier numéro 1 au classement R&B, « If Only You Knew » est également devenue sa seule entrée dans le top 40 dans toutes les catégories du Billboard.

 

8. The Philadelphia International All-Stars, “Let’s Clean Up the Ghetto” (Let’s Clean Up the Ghetto, 1973)

 

 

En 1976, avant que Band Aid, USA For Africa et d’innombrables autres supergroupes ne transforment les concerts de charité en un cliché du milieu des années 80, et bien avant que « We Are The World » ne redonne à ce genre de choses un air désuet, Philadelphia International a rassemblé ses meilleurs éléments pour une cause qui tenait à cœur à Gamble & Huff :

La liste de Philadelphia International Records comprenait des contributions vocales de Lou Rawls, Teddy Pendergrass, Billy Paul et Dee Dee Sharp.

Parmi les nombreuses autres vedettes de l’entreprise, on trouve…

« Let’s Clean Up the Ghetto » (titre d’une compilation du label qui a permis de récolter des fonds pour des œuvres de charité) encourageait les fans à penser globalement et à agir localement.

Mais ce qui différencie « Ghetto » de certains singles caritatifs des années suivantes – aussi cuits que beaucoup d’entre eux – c’est qu’il n’y a pas d’autre moyen d’en faire profiter les autres que la musique.

Des contributions vocales des O’Jays (« All of you brothers that live on the Main Line/ You lived in ghetto once upon a time ») à son implacable boucle d’une seule mesure.

C’est un morceau long, mais pas épuisant ; au contraire, il est énergisant et vous donne envie de vous lever et de participer à l’effort.

 

7. Lou Rawls, “You’ll Never Find Another Love Like Mine” (All Things in Time, 1976)

 

 

Une explosion orchestrée de cordes, un riff de basse funky et des percussions discrètes mettent en valeur la voix de baryton grave de Lou Rawls, assistée par des accords de piano sonores.

La chanteuse se lance dans « You’ll Never Find Another Love Like Mine » avec une déclaration pleine d’entrain : « Whoa, I’m not braggin’ on myself baby ».

La chanson alterne entre le frémissement et l’ébullition, Rawls livrant ses lignes à un être aimé qui s’en va pour un autre : « Girl, you’re gonna miss my lovin’/ Late in the midnight hour when it’s cold outside ».

En 1977, après des décennies de gospel, de R&B et de jazz, c’est « Never Find » qui a rendu Lou Rawls célèbre.

Il a porté le single à la deuxième place des hit-parades pop et a été nommé aux Grammy Awards pour la meilleure performance vocale masculine cette année-là.

 

6. Harold Melvin and the Blue Notes, “The Love I Lost” (Black & Blue, 1973)

 

 

Le passage du R&B traditionnel au disco à la fin des années 1970 s’est fait progressivement, de nombreux succès s’accélérant au fil du temps jusqu’à ce que les rythmes 4/4 deviennent omniprésents dans la musique pop.

Bien que le morceau « The Love I Lost » de Harold Melvin and the Blue Notes n’ait pas nécessairement été un moment décisif pour le disco, il en a été l’une des premières pierres de touche :

un rythme effréné, un double temps construit sur des touches de velours et des cordes majestueuses ; c’est Teddy Pendergrass à son meilleur, se plaignant d’être « dans la misère » à cause d’une rupture prématurée.

La première partie de la chanson est si incroyable qu’elle a valu au groupe son deuxième succès dans le top 10 du Hot 100.

C’est dans la seconde moitié de « Masterpiece » que Pendergrass se lance dans une effrayante frénésie de douleur et de regrets (« Would you forgive me, baby/ IF I GOT DOWN ON MY HANDS AND KNEES ? »).

La chanson se termine comme elle a commencé : par un refrain répété une fois, presque à bout de souffle.

Et comme le rythme ne cesse de s’accélérer, on ne s’attend pas à réentendre ce puissant refrain – et il vaut mieux ne pas penser à ce qui pourrait se passer si c’était la dernière fois qu’il chantait ces mots.

 

5. MFSB feat. The Three Degrees, “TSOP (The Sound of Philadelphia)” (Love Is the Message, 1974)

 

 

En 1974, un collectif tournant de musiciens de studio connu sous le nom de MSFB (Mother-Father-Sister-Brother) et le trio vocal The Three Degrees se sont associés pour enregistrer un thème instrumental pour Soul Train – et cette collaboration improbable a produit la musique soul qui a fini par définir la radio pop.

Avec son rythme de danse contagieux, « TSOP » est la bande-son parfaite pour se la jouer cool à chaque fois que l’on entre dans une pièce.

TSOP a été la première chanson à figurer en tête du classement Hot 100 du Billboard et des listes de rotation élevées du Video Jukebox de la télévision.

Plus qu’un simple succès excentrique de sa ville natale, Philadelphie, TSOP – qui signifie « The Sound Of Philadelphia » – a été un hymne qui a défini une époque de la musique pop :

C’était un signe avant-coureur du son joyeux et libérateur du disco, qui allait bientôt conquérir les pistes de danse de toute l’Amérique.

 

4. The Three Degrees, “When Will I See You Again?” (The Three Degrees, 1974)

 

 

Cette chanson, avec ses accords de piano délicats et ses paroles rêveuses, a une qualité déchirante qui dément l’album sur lequel elle figure, qui a été inspiré par les cauchemars apocalyptiques.

Chaque fois que la chanteuse Sheila Ferguson demande « Are we in love or just friends ? Is this my beginning or is this the end ? » – les paroles de la chanson la plus célèbre de son groupe et une pierre de touche de leur musique – elle ne reçoit pas d’autre réponse que des cordes qui pleurent et des chœurs qui soupirent.

Le trio féminin figurait sur « TSOP (The Sound of Philadelphia) » de MFSB plus tôt en 1974, mais la ballade de Gamble & Huff leur a donné leur propre vitrine – qui les a menées jusqu’à la deuxième place du Hot 100.

Cet album est bref : sa durée totale – 2 heures 58 secondes – est juste suffisante pour couvrir l’essentiel.

 

3. The O’Jays, “Back Stabbers” (Back Stabbers, 1972)

 

 

En 1972, la méfiance à l’égard du gouvernement et des institutions sociales a atteint un niveau record, ce qui s’est reflété dans les graphiques.

Pour leur premier album, les O’Jays sont allés encore plus loin : les chanteurs Eddie LeVert et Walter Williams échangent des paroles angoissées sur les couteaux qui se cachent souvent derrière ces sourires.

(« Les lames sont longues et visent directement votre dos. Je ne pense pas que tu t’en sortiras indemne ! « ).

Les moments les plus mémorables de la chanson sont les couplets effrayants et le shuffle aux cordes qui les soutient, mais ils sont rendus classiques par les stabs de cuivres et le mini-fill de batterie.

Et bien sûr, l’avertissement bourru du groupe « WHAT THEY DO » (ce qu’ils font) mène au refrain, qui contient plus de drame et de suspense qu’un thriller entier d’Alan J. Pakula.

 

2. McFadden and Whitehead, “Ain’t No Stoppin’ Us Now” (McFadden & Whitehead, 1979)

 

 

La chanson avait un rythme simple et contagieux qui se prolongeait dans le premier couplet.

La chanson commence par des cordes et une ligne de basse plus forte qu’une boule de démolition, puis le chœur chante un refrain qui ressemble à un hymne :

Le rythme entraînant de la chanson, agrémenté de coups de synthé futuristes à la place des sifflets disco, en a fait l’une des plus grandes chansons de 1979 et de 1980.

Gene McFadden et John Whitehead avaient été membres du groupe The Epsilons à la fin des années 1960 avant de rejoindre Philadelphia International en tant qu’auteurs/producteurs.

Ils voulaient devenir des artistes connus, et « Ain’t No Stoppin’ Us Now » traduit leur frustration de ne pas avoir eu l’occasion d’accéder à la célébrité.

Mais à Philadelphie, il était impossible de manquer un autre message : Le single est arrivé quatre mois avant que le ministère de la Justice n’intente une action en justice pour dénoncer la force excessive de la police, qui a « choqué la conscience ».

Philadelphia International a repris le slogan d’une chanson des O’Jays : « Le message, c’est la musique ».

Et sur un rythme de fête indestructible, Gamble & Huff l’ont épelé : « Il y a eu tant de choses qui nous ont empêchés d’avancer/ Mais maintenant, il semble que les choses s’arrangent enfin. »

 

1. Billy Paul, “Me and Mrs. Jones” (360 Degrees of Billy Paul, 1972)

 

 

En 1972, la Philly soul atteint son apogée avec la sortie de cet album.

La prémisse de la chanson est inspirée d’une observation de la vie réelle : dans un café où Gamble et Huff traînaient souvent, ils ont remarqué que le même homme s’asseyait tous les jours dans la même cabine, attendant que quelqu’un le rejoigne.

Gamble et Huff, les producteurs de « Me & Mrs. Jones », ont été inspirés par une rencontre fortuite avec Billy Paul au Sly Fox Bar de Philadelphie, et la collaboration créative qui en a résulté est unique en son genre.

Le phrasé de Paul, son baryton râpeux et ses paroles romantiques traduisent le sentiment d’euphorie teinté de regret que les pionniers du jazz Charlie « Bird » Parker et Billie Holiday ont apporté à leur musique.

L’interprétation de Paul et la production de G&H ont fait de la chanson un succès.

Elle a valu à Paul un Grammy pour la meilleure voix masculine R&B, a placé la barre pour les futurs classiques de la soul de Philadelphie et a mis Gamble & Huff sur la voie de devenir l’un des plus grands duos de producteurs et d’auteurs-compositeurs de l’histoire de la musique.