Le breaking, également connu sous les noms de break, b-boying et b-girling (souvent incorrectement appelé breakdance), est un genre de danse qui a émergé à New York dans les années 1970.
Il se distingue par des mouvements saccadés du corps, un caractère acrobatique et des figures réalisées au sol.
Les danseurs de breaking sont désignés comme Bboys ou b-boys pour les hommes, et Bgirls ou b-girls pour les femmes.
Bien qu’il soit couramment admis que le breaking est né aux États-Unis, des documents historiques révèlent qu’une variante de cette danse existait déjà dans les années 1950 à Kaduna, au Nigéria.
Il est fréquent de confondre le breaking avec d’autres styles de danse
Il est fréquent de confondre le breaking avec d’autres styles de danse. Lorsque la presse commence à s’y intéresser au début des années 1980, elle ne réalise pas qu’une véritable culture de la danse a toujours existé aux États-Unis.
Elle perçoit alors ce mouvement comme un phénomène spontané et regroupe toutes les nouvelles danses sous le terme unique de « breakdance ».
Parmi les danses souvent associées au breaking, on trouve : le good foot, le popcorn, le funky chicken, le locking, le hustler, le popping (incluant le smurf ou l’electric boogaloo, créé par les Electric Boogaloos), le hip-hop « new style » (appelé « new school » aux États-Unis et également le krump, inventé par Tight Eyez et Big Mijo.
Ces danses étaient très populaires lors des débuts du break et certains b-boys les intègrent dans leurs performances.
L’origine du terme « breakdance »
L’origine du terme « breakdance » est incertaine. Il a été employé par le pionnier du hip-hop Kurtis Blow dans un article de Bill Adler publié en 1980 dans le New York Daily News.
Ce terme est souvent utilisé pour désigner cette danse dans la culture populaire et l’industrie du divertissement grand public.
« Breakdancing » est devenu un terme générique englobant des styles de danse californiens tels que le popping, le locking et l’electric boogaloo, en plus du b-boying originaire de New York.
Un pratiquant de cette danse est appelé un b-boy, une b-girl, un breakdancer ou un breaker. Les termes « b-boy » (« break-boy »), « b-girl » (« break-girl ») et « breaker » étaient les termes originaux utilisés pour décrire les danseurs qui se produisaient sur les breakbeats de DJ Kool Herc.
La connexion évidente du terme « breaking » est avec le mot « breakbeat ». DJ Kool Herc a expliqué que le terme « breaking » était un argot des années 1970 signifiant « s’exciter », « agir avec énergie » ou « provoquer des perturbations ».
Préférence pour les termes « b-boying » et « breaking » parmi les pionniers et praticiens notables
La plupart des pionniers et praticiens notables préfèrent les termes plus anciens « b-boying » et « breaking ».
Frosty Freeze de la Rock Steady Crew a déclaré : « On nous appelait des b-boys »; le pionnier du hip-hop Afrika Bambaataa a affirmé : « Les b-boys, ce sont ce que vous appelez des break boys… ou les b-girls, ce que vous appelez des break girls. » Santiago « Jo Jo » Torres, co-fondateur de la Rock Steady Crew, Marc « Mr. Freeze » Lemberger, membre de la Rock Steady Crew, l’historien du hip-hop Fab 5 Freddy, ainsi que les rappeurs Big Daddy Kane et Tech N9ne utilisent tous le terme « b-boy ».
Les Controverses Autour du Terme « Breakdance »
Certains passionnés estiment que le terme « breakdance » est ignorant et même péjoratif.
D’autres l’utilisent de manière dérogatoire pour désigner les danseurs formés en studio qui maîtrisent les mouvements mais ne vivent pas le mode de vie des b-boys.
Par ailleurs, certains emploient le mot « breakdancer » pour critiquer ceux qui apprennent cette danse dans un but lucratif plutôt que par engagement envers la culture.
Beaucoup accusent les médias de présenter une version simplifiée de cette danse, mettant l’accent sur les « figures » au détriment de la culture.
Historical Roots of Breakdance: Influences from Pre-1970s Dances
De nombreux éléments du breakdance se sont développés avant les années 1970. Même les danses coloniales américaines telles que le menuet, le Juba, la quadrille et la valse pourraient avoir apporté des éléments.
Par exemple, le Juba est une danse africaine où les hommes formaient des cercles de danse et chacun à leur tour exécutait des mouvements, similaire au breakdance moderne.
Cette danse favorisait également la compétition, un aspect que l’on retrouve dans le breakdance, car l’esclave qui captivait son maître recevait un meilleur traitement.
Breakdance en 1877 : Une description précoce par John MacGregor
Dans son livre de 1877, « Rob Roy on the Baltic », John MacGregor raconte avoir observé près de Norrköping un « jeune homme tout seul, qui répétait sans cesse un saut inexplicable dans les airs… il se balançait vers le haut, puis tournait autour de sa main comme point d’appui, tandis que sa jambe supérieure décrivait un grand cercle. »
La gravure montre un jeune homme semblant pratiquer le breakdance.
La danse du district du saumon et ses influences historiques
La danse était appelée le Giesse Harad Polska, ou « danse du district du saumon ». En 1894, Thomas Edison a filmé Walter Wilkins, Denny Toliver et Joe Rastus en train de danser et de réaliser une « breakdown ».
Puis, en 1898, il a filmé un jeune danseur de rue exécutant des rotations acrobatiques sur la tête.
Certains auteurs affirment que le breaking et la capoeira partagent une origine africaine commune, tandis que d’autres soutiennent que la capoeira a directement influencé le breaking.
Il existe également des preuves d’un style de danse similaire à Kaduna, au Nigeria, en 1959. Les pionniers du b-boying Richard « Crazy Legs » Colon et Kenneth « Ken Swift » Gabbert, tous deux membres du Rock Steady Crew, citent James Brown et les films de Kung Fu (notamment ceux de Bruce Lee) comme influences.
De nombreux mouvements acrobatiques, tels que le flare, montrent des liens évidents avec la gymnastique.
L’Émergence du Breaking dans les Années 1970 aux États-Unis
Cependant, ce n’est qu’au cours des années 1970 que le breaking s’est développé comme un style de danse défini aux États-Unis.
Les éléments précurseurs ont commencé à se former au début des années 1970, alors que le breaking prenait de l’ampleur lors de fêtes avec des DJs et des disques instrumentaux.
C’est lors de ces fêtes que DJ Kool Herc, un pionnier DJ basé dans le Bronx, a créé des sections de breakdown rythmique en passant simultanément entre deux copies du même disque, créant ainsi des « breaks ».
En bouclant les disques et leurs breaks simultanés, il a pu prolonger le break et fournir une base rythmique et improvisée pour les danseurs.
Herc raconte à Jeff Chang dans son livre Can’t Stop Won’t Stop (2005), « Et une fois qu’ils ont entendu ça, c’était fini, il n’y avait pas de retour en arrière.
Ils voulaient toujours entendre break après break après break après break. »
L’émergence des Cyphers dans le Breaking
Le breaking a donné lieu à des batailles de danse et à des sessions de danse appelées « cyphers », des cercles compétitifs où les participants dansaient à tour de rôle entourés de spectateurs.
La Nation des Cinq-Percent a été la première à utiliser le terme « cypher » pour désigner des cercles de personnes.
Des crews comme le Rock Steady Crew ou les Mighty Zulu Kingz ont commencé à se former en réponse à la croissance des cyphers compétitifs qui offraient parfois des prix en argent, des titres et des droits de vantardise.
L’influence de l’uprock sur le breaking
Le breaking a débuté avec le toprock, des mouvements de danse axés sur le travail des pieds et exécutés debout.
Cependant, au fur et à mesure que les groupes de danseurs expérimentaient, une forme de danse distincte appelée uprock a commencé à influencer le breaking.
L’uprock, également connu sous le nom de Brooklyn uprock, est un style de danse plus agressif souvent pratiqué entre deux partenaires.
Il se caractérise par des mouvements de pieds complexes et des gestes imitant un combat.
En tant que style de danse distinct, il n’a jamais atteint la même popularité que le breaking, sauf pour certains mouvements spécifiques adoptés par les breakers qui l’utilisent comme une variation pour leur toprock.
L’uprock est également dit avoir des racines dans les gangs, servant de moyen d’expression pour régler les disputes territoriales, le vainqueur déterminant l’emplacement d’une future bataille.
Le rôle du break dans la médiation des rivalités entre gangs
Bien que certains contestent que le break ait jamais joué un rôle dans la médiation des rivalités entre gangs, la croissance initiale de cette danse a principalement aidé les jeunes défavorisés du Bronx à s’éloigner de la violence des gangs et à consacrer leur temps à une activité artistique.
Un exemple notable est celui d’Afrika Bambaataa, ancien chef de gang, qui organisait des fêtes hip-hop et s’engageait spécifiquement à utiliser cette culture pour éloigner les enfants de la violence des gangs.
Il finira par fonder la Universal Zulu Nation pour renforcer son message.
Les opinions divergentes sur l’intégration de l’uprock dans le breakdance
Certains danseurs de break soutiennent que, puisque l’uprock était à l’origine un style de danse distinct, il ne devrait jamais être mélangé avec le break.
Ils affirment également que les mouvements d’uprock réalisés par les danseurs de break aujourd’hui ne sont pas les mouvements originaux, mais des imitations qui ne montrent qu’une petite partie du style uprock authentique.
Dans le clip vidéo du single à succès de 1985 « I Wonder If I Take You Home », on peut voir Lisa Lisa et le batteur de Cult Jam, Mike Hughes, « rocker » (faire de l’uprock) à 1:24 lorsqu’on le regarde sur YouTube.
Ismael Toledo fut l’un des pionniers du breakdance au Brésil
En 1984, il partit aux États-Unis pour y étudier la danse. C’est là qu’il découvrit le breakdance et rencontra Crazy Legs, un breaker renommé qui le prit sous son aile pendant quatre ans.
De retour à São Paulo, après avoir maîtrisé le breakdance, il commença à former des crews et à participer à des compétitions internationales.
Il finit par ouvrir un studio de danse hip-hop nommé le Hip-Hop Street College.
Né en Thaïlande et élevé aux États-Unis, Tuy « KK » Sobil a fondé un centre communautaire appelé Tiny Toones à Phnom Penh, au Cambodge, en 2005.
Né en Thaïlande et élevé aux États-Unis, Tuy « KK » Sobil a fondé un centre communautaire appelé Tiny Toones à Phnom Penh, au Cambodge, en 2005.
Il y utilise la danse, la musique hip-hop et l’art pour enseigner aux jeunes Cambodgiens des compétences linguistiques, informatiques et de vie (hygiène, éducation sexuelle, conseil).
Son organisation aide environ 5 000 jeunes chaque année.
Parmi eux se trouve Diamond, considérée comme la première b-girl du Cambodge.
Il est compliqué de déterminer avec exactitude l’origine du breaking.
Les origines du breakdance selon Trac2 dans le documentaire « Freshest Kids »
Dans le documentaire « Freshest Kids », Trac2 de Starchild La Rock affirme que, selon ses connaissances (il insiste sur le fait qu’il s’agit de son avis personnel), les bases du breakdance n’ont pas émergé avant 1970.
À cette époque, il y avait des danseurs qui pratiquaient principalement le break debout.
Le terme « break » provient de DJ Kool Herc, qui utilisait les breaks de ses disques pour animer la piste en les jouant en boucle grâce à une technique de DJ appelée « Merry Go Round ».
Kool Herc et l’Émergence de la Danse Hystérique
Kool Herc expliquait que sa technique rendait les danseurs hystériques, les menant à un point de non-retour (point-break). Melle Mel, MC des Grandmaster Flash and the Furious Five, décrit cela comme une nouvelle vague gigantesque et spontanée qui a émergé dans les parcs.
Il raconte qu’un des frères Nigga Twins avait pour habitude de descendre au sol lors des soirées animées par DJ Kool Herc, et qu’un de ses mouvements consistait à tourner sur lui-même. Le MC précise que c’était la première fois qu’il voyait quelqu’un descendre au sol de cette manière.
L’Invention du Breakbeat par le DJ Jamaïcain Kool Herc
Le DJ jamaïcain Kool Herc observe que l’énergie des danseurs atteint son apogée lors de certains segments d’une chanson où seuls la basse et la batterie sont audibles. Il décide alors de répéter ces segments en boucle.
Pour y parvenir, il utilise deux platines vinyles avec le même disque sur chacune.
Il alterne entre les deux disques, rejouant continuellement le même segment, appelé break ou breakbeat.
Les premiers danseurs qui assistaient souvent aux soirées de Kool Herc ont été surnommés par ce dernier les breakers ou B-Boys (B pour Break).
L’émergence du hip-hop dans les années 1970
Dans les années 1970, Afrika Bambaataa, initialement membre des Bronx River Projects puis fondateur de l’Universal Zulu Nation, cherche à diriger l’énergie des jeunes de son quartier vers des activités artistiques afin de les éloigner des gangs.
Avec DJ Kool Herc et Grandmaster Flash, il contribue à l’émergence d’un nouveau mouvement : le hip-hop, qui repose sur quatre éléments principaux : le MCing, le writing, le deejaying et le b-boying.
Afrika Bambaataa est également à l’origine de l’un des premiers groupes de Bboys, les Zulu Kings.
L’émergence du breaking en 1979 avec les Zulu Kings et les Nigger Twins
En 1979, avec des groupes tels que les Zulu Kings ou les Nigger Twins, le breaking commence à se définir clairement. Les mouvements de base au sol incluent alors le six-pas (six temps ou six steps), le trois-pas (trois temps ou three steps), les freezes (baby freeze ou tracks — freeze réalisé à la fin d’une figure comme la coupole —), le back-spin (rotation sur le dos) et le windmill (moulin ou coupole).
Le break entre dans une phase de bouillonnement créatif
Le break entre dans une phase de bouillonnement créatif sans précédent, marquée par l’émergence de groupes emblématiques tels que Rock Steady Crew, New York City Breakers et Dynamic Rockers.
De nouvelles figures, plus acrobatiques, voient le jour : le hand glide, la couronne (halos) et le thomasb.
L’histoire du breaking en France
En France, le breaking fait sa première apparition officielle lors de la tournée New York City Rap organisée par Europe 1 en 1982, avec la participation du Rock Steady Crew.
En 1984, l’émission télévisée H.I.P. H.O.P. animée par Sydney contribue à populariser la culture hip-hop dans le pays ; le jury de cette émission était composé des Paris City Breakers (P.C.B.). L’engouement pour le break et le hip-hop diminue rapidement, avant de connaître un regain d’intérêt au début des années 1990.
Naissance du Battle of the Year après l’annulation d’un championnat de breaking en Belgique
En 1990, un championnat de breaking est organisé en Belgique, profitant de l’engouement pour les nouvelles danses américaines comme la hype, popularisées par des artistes tels que Bobby Brown et MC Hammer.
Cependant, le championnat prévu à Bruxelles doit être annulé en raison de conflits entre certaines bandes rivales.
En réaction, un tournoi underground émerge spontanément et impressionne par sa qualité, incitant les participants à structurer officiellement les institutions du breaking pour valoriser le potentiel artistique européen.
Un an plus tard, le Battle of the Year voit le jour en Allemagne.
L’arrivée du breakdance au Canada
Il existe plusieurs façons dont le breakdance est arrivé au Canada. À la fin des années 1970 et au début des années 1980, des films comme Breakin’ (1984) et Beat Street (1984), ainsi que l’immigration de personnes en provenance de Chicago, New York, Detroit, Seattle et Los Angeles, ont introduit les styles de danse des États-Unis.
L’évolution du breakdance au Canada
Le breakdance s’est développé au Canada à partir de là, avec des crews comme les Canadian Floormasters qui ont dominé la scène des années 80, et New Energy qui a fait la première partie de James Brown en 1984 au Paladium de Montréal.
En entrant dans les années 90, des crews tels que Bag of Trix, Rakunz, Intrikit, Contents Under Pressure, Supernaturalz, Boogie Brats et Red Power Squad ont mené la scène pendant les deux décennies suivantes et continuent de le faire.
L’émergence du breakdance en France dans les années 1980
Le breakdance a émergé en France au début des années 1980 avec la formation de groupes comme les Paris City Breakers, qui s’inspiraient des célèbres New York City Breakers.
En 1984, la France est devenue le premier pays au monde à diffuser régulièrement une émission télévisée nationale consacrée au Hip Hop, animée par Sidney Duteil, et mettant en avant la danse Hip Hop.
Cette émission a provoqué un véritable essor de la danse Hip Hop en France, avec l’apparition de nombreuses nouvelles équipes sur la scène.
Le breakdance a été introduit au Japon en 1983 suite à la sortie du film Wild Style.
Cette sortie a été accompagnée d’une tournée du Rock Steady Crew, qui a fasciné de nombreux Japonais.
D’autres films, tels que Flashdance, ont suivi et ont amplifié l’engouement pour le breakdance.
Crazy-A et l’émergence du breakdance au Japon
Crazy-A, le chef de la section de Tokyo du Rock Steady Crew, a été entraîné par sa petite amie de l’époque pour voir le film Flashdance.
Il en est ressorti fasciné par cette forme de danse, devenant ainsi l’un des premiers et des plus influents breakdancers de l’histoire japonaise.
Des groupes ont également commencé à émerger, avec des pionniers comme les Tokyo B-Boys, Dynamic Rock Force (des jeunes Américains de la base aérienne de Yokota), B-5 Crew et Mystic Movers apparaissant à Harajuku.
La communauté de breakdance au Japon et leur lieu de rassemblement à Yoyogi Park, Tokyo
La communauté de breakdance au Japon a trouvé un lieu de rassemblement dans le parc Yoyogi à Tokyo, situé à Harajuku.
Ce site demeure un endroit animé pour les adeptes de breakdance et les passionnés de hip-hop.
À mesure que le hip-hop gagnait en popularité au Japon, le breakdance et ses communautés se sont également développés.
Avec l’arrivée des compétitions internationales de breakdance, le Japon a commencé à participer et a été salué pour son agilité et sa précision, bien qu’au début, il ait été critiqué pour son manque d’originalité.
L’ascension internationale des breakdancers japonais grâce à Taisuke Nonaka
Les Japonais ont commencé à véritablement s’épanouir sur la scène internationale grâce à la carrière de breakdancer de Taisuke Nonaka, plus connu sous le nom de Taisuke.
Ce dernier a rapidement dominé la scène mondiale et a conduit l’équipe japonaise Floorriorz à remporter le BOTY en 2015 face à l’équipe Kienjuice de Biélorussie.
Bien que Taisuke ait eu une carrière réussie dans les compétitions de groupe, il n’a pas réussi à remporter le Red Bull BC One en solo, un championnat individuel de breakdance qui échappait toujours aux bboys japonais.
Le premier Japonais à remporter la compétition BC One
Le premier Japonais à remporter la compétition BC One fut Bboy Issei en 2016. Issei est largement considéré comme le meilleur breakdancer japonais actuel et, selon certains, le meilleur au monde.
Les femmes breakdancers, appelées « bgirls », sont également nombreuses au Japon.
Suite à l’introduction d’une compétition féminine BC One en 2018, la bgirl japonaise Ami Yuasa est devenue la première championne féminine.
Parmi les crews de bboys japonais notables, on trouve FoundNation, Body Carnival et les Floorriorz. Les crews de bgirls japonais remarquables incluent Queen of Queens, Body Carnival et Nishikasai.
Introduction du breakdance en Corée du Sud
Le breakdance a été introduit pour la première fois en Corée du Sud par des soldats américains peu après son essor de popularité aux États-Unis dans les années 1980.
Cependant, ce n’est qu’à la fin des années 1990 que cette culture et cette danse ont véritablement pris racine.
L’année 1997 est souvent désignée comme le « point de départ » du breaking en Corée.
Un promoteur de hip-hop coréano-américain nommé John Jay Chon rendait visite à sa famille à Séoul
Un promoteur de hip-hop coréano-américain nommé John Jay Chon rendait visite à sa famille à Séoul.
Pendant son séjour, il a rencontré un groupe appelé Expression Crew dans un club.
Il leur a donné une cassette VHS d’une compétition de breakdance à Los Angeles appelée Radiotron.
Un an plus tard, lorsqu’il est revenu, Chon a découvert que sa vidéo et d’autres similaires avaient été copiées et doublées de nombreuses fois, contribuant ainsi à nourrir une communauté de breakdancers en pleine expansion.
L’ascension de la breakdance en Corée grâce à l’Expression Crew et le soutien gouvernemental
En 2002, l’Expression Crew de Corée a remporté la prestigieuse compétition internationale de breakdance Battle of the Year, révélant ainsi le talent des danseurs coréens au monde entier.
Depuis lors, le gouvernement coréen a tiré parti de la popularité de cette danse et l’a promue en parallèle avec la culture coréenne.
L’événement R-16 Korea, parrainé par le gouvernement, est le plus célèbre dans ce domaine. Il est organisé par l’Office du Tourisme de Corée et soutenu par le Ministère de la Culture, des Sports et du Tourisme.
Parmi les célèbres groupes de breakdance en Corée, on peut citer Morning of Owl, Jinjo Crew, Rivers Crew et Gamblerz.
L’introduction du breakdance en Union soviétique dans les années 1980
Dans les années 1980, l’Union soviétique était en pleine Guerre froide avec les pays du Bloc de l’Ouest.
Les citoyens soviétiques vivaient derrière le Rideau de fer, ce qui faisait qu’ils découvraient généralement les nouvelles tendances de la mode des pays capitalistes avec un certain retard.
L’Union soviétique a découvert le breakdance en 1984, lorsque des cassettes vidéo des films Breakin’, Breakin’ 2 et Beat Street sont arrivées dans le pays.
Ces films n’ont pas été officiellement distribués en URSS.
Ils ont été ramenés par des citoyens soviétiques ayant eu l’occasion de voyager dans les pays occidentaux (par exemple, des diplomates).
À l’origine, la danse est devenue populaire dans les grandes villes : Moscou et Leningrad, ainsi que dans les républiques baltes (certains habitants de ces républiques soviétiques avaient la possibilité de regarder la télévision occidentale).
Les autorités avaient une opinion négative de cette nouvelle danse venue de l’Ouest.
La situation évolua en 1985 avec l’arrivée au pouvoir de Mikhaïl Gorbatchev et le début de la politique de la Perestroïka.
Les premiers à légaliser cette nouvelle danse furent les danseurs des républiques baltes.
Ils présentèrent cette danse comme une « protestation contre l’arbitraire des capitalistes », en expliquant qu’elle avait été inventée par des Afro-Américains issus de quartiers défavorisés.
Breakdance en URSS: La performance révolutionnaire de Jiří Korn en 1985 et les festivals soutenus par la Ligue des jeunes communistes léninistes
En 1985, la performance du Tchèque Jiří Korn a été diffusée dans l’émission « Morning Post », marquant l’une des premières démonstrations officielles de breakdance à la télévision soviétique.
Avec le soutien de la Ligue des jeunes communistes léninistes, des festivals de breakdance ont eu lieu en 1986 dans les villes des républiques baltes (Tallinn, Palanga, Riga).
Par la suite, ces festivals se sont étendus à d’autres républiques soviétiques. Des festivals ont été organisés à Donetsk (Ukraine), Vitebsk (Biélorussie) et Gorki (Russie).
Le breakdance a également fait son apparition dans le cinéma soviétique avec des films tels que « Dancing on the Roof » (1985), « Courier » (1986) et « Publication » (1988).
À la fin de la décennie, cette danse était presque omniprésente.
On pouvait voir des personnes danser en style « robot » lors de presque toutes les soirées dansantes ou fêtes scolaires.
Au début des années 1990, le pays a traversé une grave crise économique et politique.
Avec la dissolution de l’Union soviétique, la mode du breakdance s’est éteinte et cette danse est devenue démodée.
Ce n’est qu’à la fin des années 90 que le breakdance connaîtra un regain d’intérêt en Russie.
La Popularité Croissante du Breakdance en Chine Malgré les Restrictions des Réseaux Sociaux
Bien que les réseaux sociaux comme YouTube ne soient pas accessibles en Chine, le breakdance y connaît une grande popularité.
De nombreuses personnes copient des vidéos de breakdance provenant de l’étranger et les redistribuent sur le continent.
Malgré certaines restrictions qui en font encore une culture underground en Chine, on rapportait déjà en 2013 que le breakdance y gagnait en présence.
L’équipe Gravity Benders met en avant les quatre éléments du breakdance — toprock, downrock, freezes et power moves — ainsi que quelques chorégraphies de groupe et une courte bataille.
Il existe quatre éléments principaux qui composent le breakdance : le toprock, le downrock, les power moves et les freezes.
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Le toprock désigne généralement toute série de mouvements effectués en position debout. Il constitue souvent la première démonstration de style, bien que les danseurs passent fréquemment d’autres aspects du breakdance au toprock et vice-versa. Le toprock comprend une variété de pas qui peuvent être modifiés selon l’expression du danseur (par exemple, agressif, calme, excité). Une grande liberté est accordée dans la définition du toprock : tant que le danseur maintient propreté, forme et attitude, théoriquement tout peut être considéré comme du toprock. Le toprock peut s’inspirer de nombreux autres styles de danse tels que le popping, le locking, les claquettes, le Lindy hop ou la house dance. Les transitions du toprock au downrock et aux power moves sont appelées « drops ».
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Le downrock (aussi appelé « footwork » ou « floorwork ») désigne tout mouvement au sol où les mains soutiennent le danseur autant que les pieds. Le downrock comprend des mouvements tels que le 6-step de base et ses variantes comme le 3-step. Les formes les plus simples de downrock se réalisent uniquement avec les pieds et les mains, mais des variations plus complexes peuvent impliquer l’utilisation des genoux lorsque les membres s’entrelacent.
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Les mouvements de puissance sont des figures acrobatiques nécessitant élan, rapidité, endurance, force, souplesse et maîtrise pour être réalisées. Le danseur s’appuie généralement sur le haut de son corps, tandis que le reste de son corps génère un mouvement circulaire. Parmi ces mouvements, on trouve le moulin à vent, le swipe, le back spin et le head spin. Certains de ces mouvements sont empruntés à la gymnastique et aux arts martiaux. Par exemple, le Thomas Flair, issu de la gymnastique, est abrégé et nommé flare en breakdance.
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Les freezes sont des poses stylisées où le danseur de breakdance se maintient en l’air grâce à la force de ses bras, adoptant des positions comme le piqué. Elles servent à accentuer les temps forts de la musique et marquent souvent la fin d’une séquence. Les freezes peuvent être enchaînés ou « empilés », permettant aux danseurs de passer d’un freeze à un autre pour suivre les rythmes de la musique, démontrant ainsi leur musicalité et leur force physique.
L’impact de l’Internet sur les styles individuels dans le breakdance
Il existe de nombreux styles individuels dans le breakdance.
Ces styles sont souvent influencés par la région d’origine et les influences du danseur.
Cependant, certaines personnes comme Jacob « Kujo » Lyons pensent que l’internet freine le développement de styles personnels.
Lors d’une interview en 2012 avec B-Boy Magazine, il a exprimé sa frustration.
Luis « Alien Ness » Martinez, président des Mighty Zulu Kings, a exprimé une frustration similaire lors d’une interview distincte trois ans plus tôt avec « The Super B-Beat Show » concernant les cinq principales choses qu’il déteste dans le breakdance.
Luis « Alien Ness » Martinez, président des Mighty Zulu Kings, a exprimé une frustration similaire lors d’une interview distincte trois ans plus tôt avec « The Super B-Beat Show » concernant les cinq principales choses qu’il déteste dans le breakdance.
Bien qu’il existe certaines généralités dans les styles présents, de nombreux danseurs mélangent des éléments de différents styles avec leurs propres idées et connaissances pour créer un style unique.
Les breakers peuvent ainsi être classés dans un style global qui met généralement en avant les mêmes types de techniques.
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Puissance : Ce style est ce que la plupart des gens associent au terme « breakdance ». Les mouvements de puissance incluent des rotations et des spins de tout le corps qui donnent l’illusion de défier la gravité. Parmi les exemples de mouvements de puissance, on trouve les head spins, backspins, windmills, flares, air tracks/air flares, 1990s, 2000s, jackhammers, crickets, turtles, hand glides, halos et elbow spins. Les danseurs qui utilisent presque exclusivement des « mouvements de puissance » dans leurs performances sont appelés des « power heads ».
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Résumé : Un style très varié qui peut inclure l’incorporation de mouvements de pieds appelés « threading », des mouvements de freestyle pour marquer les temps, la danse house, et des styles « cirque » (acrobaties, contorsion, etc.).
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Blow-up : Un style qui met l’accent sur l’effet « wow » de certains mouvements puissants, figures figées et styles de cirque. Les blow-ups consistent à enchaîner autant de combinaisons de figures difficiles que possible, le plus rapidement possible, afin de surpasser la virtuosité de la performance d’un autre danseur. Parmi les noms de ces mouvements, on trouve air baby, hollow backs, solar eclipse et reverse air baby, entre autres. L’objectif principal du style blow-up est la transition rapide à travers une série de mouvements puissants, se terminant par une figure figée ou un « suicide » habile. Comme les freezes, un suicide est utilisé pour souligner un temps fort dans la musique et marquer la fin d’une routine. Alors que les freezes attirent l’attention sur une position finale contrôlée, les suicides mettent en avant le mouvement de chute ou de perte de contrôle. Les b-boys ou b-girls donnent l’impression qu’ils ont perdu le contrôle et tombent sur leur dos, ventre, etc. Plus le suicide semble douloureux, plus il est impressionnant, mais les danseurs les exécutent de manière à minimiser la douleur.
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Flavor : Un style qui repose davantage sur des mouvements élaborés de toprock, downrock et/ou des freezes. Ce style met l’accent sur le rythme et la musicalité de la chanson plutôt que de se reposer uniquement sur des power moves. Les danseurs qui basent leur danse sur la « saveur » ou le style sont appelés des « style heads ».
La sélection musicale pour le breakdance n’est pas limitée à la musique hip-hop, tant que les conditions de tempo et de rythme sont respectées.
Le breakdance peut facilement s’adapter à différents genres musicaux grâce au remixage.
Les chansons originales qui ont popularisé cette forme de danse empruntent largement aux genres progressifs du funk, de la soul, du disco, de l’électro et du jazz-funk.
Un canon musical de ces chansons traditionnelles b-boy s’est depuis développé, des morceaux qui étaient autrefois attendus à chaque événement de b-boying.
À mesure que la forme de danse évoluait, cette standardisation des chansons classiques a incité l’innovation des mouvements de danse et des break beats qui réinventaient les mélodies standards.
Parmi ces chansons figurent « Give It Up or Turn It a Loose » de James Brown, « Apache » du Incredible Bongo Band et « The Mexican » de Babe Ruth, pour n’en citer que quelques-unes.
La caractéristique la plus courante de la musique de breakdance réside dans les breaks musicaux, ou compilations formées à partir d’échantillons de différentes chansons, ensuite enchaînés et répétés par le DJ.
Le tempo se situe généralement entre 110 et 135 battements par minute, avec des rythmes percussifs composés de doubles croches et de noires syncopées.
L’histoire attribue l’invention de ce concept, plus tard appelé break beat, au DJ Kool Herc.
Le breakdance se pratique individuellement ou en groupe, souvent au centre d’un cercle de spectateurs. Les danseurs exécutent chacun leur tour un « passage » qui se déroule ainsi :
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Le danseur se positionne au centre du cercle et exécute des mouvements rapides des jambes, semblables à ceux du boxeur Mohamed Ali. Cette phase est appelée toprock, ou « pas de prépa », car elle constitue seulement le début de la performance. Durant cette étape, le danseur s’échauffe et délimite l’espace nécessaire pour évoluer. Il est à noter qu’un uprock, un salsa step, ou d’autres mouvements peuvent également remplacer le toprock.
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Le danseur réalise des mouvements appelés footwork ou passpass : en gardant les mains au sol, il fait courir ses jambes autour de son corps.
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Le danseur réalise des mouvements au sol, souvent sous forme de phases circulaires, qui mettent en valeur soit sa rapidité d’exécution, soit sa force physique, soit son ingéniosité à enchaîner plusieurs figures. Ces mouvements sont appelés des phases ou des powermoves (en anglais).
En général, chaque danseur appartient à un groupe, souvent désigné par un nom d’équipe distinctif.
Originaire des quartiers difficiles du Bronx, cette danse a conservé une certaine atmosphère de rivalité de gangs : ainsi, les groupes s’affrontent fréquemment lors de « battles ». Les deux équipes se font face et exécutent des séquences successives.
Le gagnant est déterminé par le public ou par le volume des applaudissements, une méthode qui a suscité de nombreuses discussions en raison de sa partialité.
Rapidement, des compétitions officielles jugées par des arbitres-danseurs ont été mises en place, telles que la Battle of the Year, qui se déroule chaque année dans différentes villes du monde, ou le Red Bull BC One, qui rassemble chaque année dans un pays différent des danseurs de divers groupes.
Crew : une équipe de danseurs ou de graffeurs.
Battle : un duel de danse entre deux équipes ou deux danseurs.
Bite (du verbe anglais « to bite », signifiant « mordre », mais utilisé ici pour « copier » ou « imiter ») : action de reproduire le mouvement d’un autre danseur ou d’une autre équipe.
Drops : mouvement de transition entre le top rock et le footwork. Footwork (ou downrock) : ensemble de pas de danse réalisés au sol.
Freeze : position statique sur une ou plusieurs parties du corps, allant des positions basiques comme le baby freeze à des formes plus avancées nécessitant flexibilité et créativité, telles que les planches hollowback.
Phase (ou power move) : mouvements acrobatiques et aériens du breakdance, caractérisés par des mouvements circulaires répétitifs des jambes ; phase est un terme plus récent que power move ; parmi les phases, on trouve la coupole, le flare (ou « Thomas », une figure de gymnastique nommée d’après Kurt Thomas), et la vrille (ou airflare).
Spin : rotation sur une partie du corps.
Exemple : le headspin implique une rotation sur la tête sans utiliser les mains. Style : mouvements nécessitant moins de force physique mais davantage d’attitude, de rythme et de style.
Toprock : pas préparatoires du breaker avant de descendre au sol.
Tricks : mouvements techniques, enchaînements de freezes. Uprock : danse à caractère martial originaire du Bronx.
Scratch : utilisation des mains pour relancer une rotation, par exemple scratcher en headspin pour gagner en vitesse ou se stabiliser.
Un power move (phase) est l’un des mouvements les plus complexes à réaliser.
Toutes les phases impliquent une rotation (spin), qui génère l’énergie indispensable pour effectuer la figure.
Le Thomas (flare) est une phase exigeante : il consiste à utiliser la rotation des jambes avec le bassin (en écart tournant autour du buste/bras) pour effectuer aisément deux changements de main d’appui par rotation.
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Le six-step : il s’agit d’une rotation en six pas, dans n’importe quel sens, où le haut du corps, de la tête au bassin, reste immobile. Le danseur doit toujours se maintenir sur la même ligne et faire face vers l’avant. Certains ajoutent des variantes pour refléter leur propre style ou identité. Ce mouvement est l’un des premiers à avoir été inventé pour les danses au sol. Le seven-step, quant à lui, est similaire au six-step mais comporte sept pas. Bien que ce soit un mouvement relativement simple à exécuter, il est un peu moins connu.
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Le trois-pas (ou three step) : un principe similaire au six-pas, mais qui se réalise en trois mouvements avec un retour systématique au point de départ.
La couronne (halo) commence par une position de départ en trax. Ensuite, en utilisant l’impulsion des bras et des jambes, le corps s’élève jusqu’à la tête du danseur qui effectue immédiatement une rotation sur la tête (le corps incliné à environ 45 degrés).
Après cela, le danseur retombe en position de trax tout en continuant de tourner, et répète ce mouvement.
La coupole windmill (ou moulin) est la coupole originelle, et par conséquent la plus basique.
Elle consiste à effectuer une rotation sur le dos, puis à revenir en trax tout en maintenant la rotation, avant de retourner sur le dos et de revenir en trax, et ainsi de suite, toujours en rotation.
Les jambes restent tendues et écartées durant l’exécution.
D’autres types de coupoles ont été créés par la suite.
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La coupole sautée (ou jumping windmills, peu courante en raison de sa grande difficulté et des douleurs dorsales qu’elle peut engendrer) consiste pour le danseur à se positionner sur le dos, puis à donner une forte impulsion avec un bras ou le dos pour décoller du sol et réaliser une rotation de 360°. Le danseur retombe ensuite sur le dos tout en continuant la rotation. Contrairement à d’autres variantes similaires, cette figure se distingue par une hauteur de rotation significative (environ 1 mètre). Plus la hauteur est élevée, plus la réception nécessite une maîtrise parfaite. Les jambes doivent être tendues et écartées durant l’exécution.
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La coupole disk, également connue sous le nom de coupole « casse-noisette » ou nutcracker windmills, est une figure très dynamique. Elle repose sur le même principe que la coupole sautée, mais se distingue par une hauteur beaucoup plus réduite. Les jambes sont maintenues tendues et écartées.
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La coupole boule (également connue sous les noms de munch mills ou baby mills) : bien qu’elle soit souvent réalisée malgré la difficulté de son apprentissage, cette figure reprend les principes de la coupole sautée. Cependant, la tête reste en contact avec le sol et la hauteur est très réduite. Les jambes sont repliées et rapprochées.
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La coupole allemande (moulins à vent en avion) réduit involontairement sa vitesse lorsqu’elle est en position inversée. Le principe est similaire à celui de la coupole sautée, mais avec une hauteur bien moindre. Lorsque l’on se retrouve à nouveau sur le dos, on ajoute le contact d’une jambe avec le sol. Une jambe doit être tendue tandis que l’autre est pliée, mais les deux sont rapprochées l’une de l’autre.
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La coupole ventrale (belly mills) demande une grande flexibilité : les bras s’alignent avec le corps et, grâce à la rotation, le danseur se retrouve sur ses épaules. À partir de cette position, il bascule sur le ventre en relevant la tête et les jambes pour éviter qu’elles ne touchent le sol. Il utilise les appuis créés par ses bras pour continuer et maintenir la rotation. Les jambes restent tendues et écartées.
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La coupole baril (barrel windmills) est une figure très rapide : une impulsion avec le dos et parfois avec les bras permet au corps d’effectuer une rotation complète de 360° en l’air avant de retomber sur le dos, tout en gardant la tête au sol. Les jambes sont tendues et écartées.
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La coupole head se distingue par son originalité : contrairement à une coupole classique, chaque rotation se termine non pas en trax, mais sur la tête. Certains danseurs de breakdance en profitent pour ajouter quelques rotations de headspin lorsqu’ils sont sur la tête. Les jambes sont alors tendues et écartées.
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La coupole lotus : le principe est similaire à celui d’une coupole classique, mais les jambes sont repliées en position de lotus.
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La figure appelée « coupole pierre tombale » est particulièrement complexe, tant à maîtriser qu’à réaliser. Elle consiste à passer du dos à la tête, puis de la tête au dos, tout en effectuant une rotation. Les bras et les jambes doivent être tendus et rapprochés l’un de l’autre.
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La Battle of the Year (BOTY) a été créée en 1990 par Thomas Hergenröther en Allemagne. Il s’agit de la première et la plus grande compétition internationale de breakdance pour les équipes de danse. BOTY organise des tournois de qualification régionaux dans plusieurs pays, dont le Zimbabwe, le Japon, Israël, l’Algérie, l’Indonésie et les Balkans. Les équipes victorieuses de ces tournois se qualifient pour la finale qui se tient à Montpellier, en France. BOTY a été mise en avant dans le documentaire indépendant Planet B-Boy (2007), qui suivait cinq équipes se préparant pour le championnat de 2005. Un film en 3D intitulé Battle of the Year est sorti en janvier 2013, réalisé par Benson Lee, qui avait également dirigé Planet B-Boy.
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The Notorious IBE est une compétition de breakdance basée aux Pays-Bas et fondée en 1998. L’IBE (International Breakdance Event) se distingue des compétitions traditionnelles car il n’y a ni scènes ni juges. À la place, des événements compétitifs chronométrés se déroulent dans de grands cercles de danse à plusieurs niveaux, entourés d’observateurs. Les gagnants sont déterminés par l’approbation du public. Divers types d’événements y sont organisés, tels que le b-girl crew battle, le Seven 2 Smoke battle (où huit des meilleurs breakers s’affrontent pour déterminer le vainqueur global), le All vs. All continental battle (opposant les breakers américains, européens, asiatiques et mexicains/brésiliens), ainsi que le Circle Prinz IBE. Le Circle Prinz IBE est un tournoi à élimination directe qui se déroule dans plusieurs petits cercles de danse jusqu’à ce qu’il ne reste qu’un seul breaker victorieux. L’IBE accueille également les finales européennes des UK B-Boy Championships.
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Le Chelles Battle Pro a été fondé en 2001 et se déroule chaque année à Chelles, en France. L’événement comporte deux compétitions : une pour les jeunes breakers de 12 ans ou moins en solo, et une autre sous forme de tournoi à élimination directe pour huit équipes de breakers. Certaines équipes doivent se qualifier lors de tournois locaux dans leur pays, tandis que d’autres sont directement invitées à la finale.
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Le Red Bull BC One a été créé en 2004 par Red Bull et se déroule chaque année dans un pays différent. Cette compétition rassemble les 16 meilleurs breakers du monde entier. Six places sont obtenues à travers six tournois de qualification régionaux, tandis que les dix autres sont réservées au gagnant de l’année précédente, aux sélections wild card et aux recommandations d’un panel international d’experts. Un ancien participant célèbre de cette compétition est Mauro « Cico » (prononcé CHEE-co) Peruzzi, détenteur du record mondial pour le mouvement appelé 1990, où le breaker tourne continuellement sur une main. Cico a établi ce record en réalisant 27 tours. Un documentaire intitulé Turn It Loose (2009) a suivi l’entraînement de six breakdancers pour le championnat de 2007 à Johannesburg, dont Ali « Lilou » Ramdani du Pockémon Crew et Omar « Roxrite » Delgado du Squadron.
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R16 Korea est une compétition de breakdance sud-coréenne, fondée en 2007 par les Américains d’origine asiatique Charlie Shin et John Jay Chon. À l’instar de BOTY et Red Bull BC One réunis, Respect16 rassemble les 16 meilleures équipes classées au monde. Ce qui distingue cette compétition des autres, c’est qu’elle est parrainée par le gouvernement et diffusée en direct à la télévision coréenne ainsi que dans plusieurs pays européens. En 2011, R16 a mis en place un nouveau système de jugement conçu pour éliminer les biais et établir une norme unifiée et équitable pour l’évaluation des battles de breakdance. Avec ce nouveau système, les danseurs sont évalués selon cinq critères : la base, la dynamique (mouvements de puissance), le combat, l’originalité et l’exécution. Chaque catégorie a son propre juge et les scores sont affichés sur un grand écran pendant les battles, permettant ainsi au public de voir qui est en tête à tout moment.
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Les Jeux Olympiques de la Jeunesse ont intégré le breakdance dans leur programme, débutant avec les Jeux Olympiques de la Jeunesse d’été 2018 à Buenos Aires. Le breakdance est éligible à l’inclusion car il s’agit d’une discipline du danse sportive, reconnue par le Comité International Olympique. La compétition comprenait des épreuves pour hommes, femmes et équipes mixtes dans un format de bataille en tête-à-tête.
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Les Jeux Olympiques d’été de 2024 à Paris verront l’introduction du breakdance, qui fera ses débuts olympiques. 16 danseurs et 16 danseuses s’affronteront dans des duels en face-à-face. Le président du CIO, Thomas Bach, a déclaré que l’ajout du breakdance visait à susciter un plus grand intérêt chez les jeunes pour les Jeux Olympiques.
Depuis les années 1990, des compétitions tant nationales qu’internationales sont régulièrement organisées.
Ces événements, sous forme de battles, voient leur issue déterminée par un jury.
Initialement créées par des amateurs et des passionnés, ces compétitions ont rapidement gagné en visibilité médiatique, ce qui a permis aux meilleurs bboys et bgirls de se professionnaliser grâce aux récompenses financières et aux sponsors, principalement des marques de boissons énergisantes (comme Red Bull avec le Red Bull BC One et Monster Energy avec le Battle SilverBack).
Ces dernières années, les deux principaux circuits professionnels internationaux étaient le Red Bull BC One pour les compétitions individuelles et le Battle of the Year pour les compétitions par équipe.
Bboyfrance : Un Championnat de France Émergent (2000-2020)
En France, entre 2000 et 2020, divers battles se sont désignés eux-mêmes comme « championnat de France » en l’absence de compétitions officielles.
Parmi eux, le Bboyfrance a progressivement réussi à se distinguer au fil des années.
En 2020, le break français a intégré la Fédération française de danse, laquelle organisera les premières compétitions officielles reconnues par une fédération.
Cela permettra aux pratiquants d’obtenir le statut de sportif de haut niveau, en préparation de l’inclusion de cette discipline aux Jeux olympiques, tout en favorisant la professionnalisation de cette pratique.
Pour les Jeux olympiques d’été de 2024, la discipline du breakdance sera incluse.
À l’instar d’autres sous-cultures du hip-hop, comme le graffiti, le rap et le DJing, les breakers sont majoritairement des hommes.
Cependant, cela ne signifie pas que les femmes breakers, appelées b-girls, sont invisibles ou inexistantes.
Des participantes féminines, telles que Daisy Castro (également connue sous le nom de Baby Love du Rock Steady Crew), témoignent de la présence des femmes dans le breakdance depuis ses débuts.
Les critiques soutiennent qu’il est injuste de généraliser ces inégalités, car les femmes ont commencé à jouer un rôle plus important dans la scène du breakdance.
Certaines personnes ont souligné qu’un manque de promotion constitue un obstacle, comme l’a indiqué la b-girl à plein temps Firefly dans un article de la BBC : « Cela devient de plus en plus populaire.
Il y a beaucoup plus de filles impliquées.
Le problème est que les promoteurs n’organisent pas suffisamment de battles réservées aux femmes. » Un intérêt croissant se manifeste pour changer l’image traditionnelle des femmes dans la culture hip-hop (et par extension, dans la culture du breakdance) en faveur d’un rôle plus positif et valorisé dans la scène hip-hop moderne.
En 2018, la B-Girl japonaise Ami est devenue la première championne du monde B-Girl du Red Bull BC One.
Bien que B-Girl Ayumi ait été invitée à participer au championnat de 2017, ce n’est qu’en 2018 qu’un tableau de 16 B-Girls a été inclus dans l’événement principal.
Au cours des 50 dernières années, divers films ont mis en scène la danse. En 1975, le film Tommy (tourné en 1974) présentait une séquence de breakdance pendant le numéro « Sensation ».
Par la suite, au début des années 1980, plusieurs films ont illustré le breakdance, notamment Fame, Wild Style, Flashdance, Breakin’, Breakin’ 2: Electric Boogaloo, Delivery Boys, Krush Groove et Beat Street.
En 1985, à l’apogée de la popularité du breakdance, Donnie Yen a joué dans un film hongkongais intitulé Mismatched Couples où il exécutait divers mouvements de b-boy et de breakdance.
Les années 2000 ont connu un retour en force des films et séries télévisées mettant en scène le breakdance, une tendance qui s’est poursuivie au début des années 2010.
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La série télévisée d’animation Samurai Champloo de 2004 présente l’un des personnages principaux, Mugen, qui utilise un style de combat inspiré du breakdance.
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Les films Step Up (2006-2014) sont des films de danse qui mettent en avant la passion et l’amour pour cette discipline. Le breakdance est présent dans les cinq volets de la série, à savoir Step Up, Step Up 2 : The Streets, Step Up 3D, Step Up Revolution et Step Up : All In, ainsi que dans la série télévisée Step Up : High Water.
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La série « Step Up » a popularisé les films de danse en mettant en avant divers styles, tels que le breakdance. Cela a entraîné une augmentation des films centrés sur la danse et a fait de celle-ci un sujet prisé dans le monde du divertissement.
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La comédie de 2007, Kickin’ It Old Skool, met en vedette Jamie Kennedy dans le rôle d’un breakdancer qui se blesse à la tête lors d’un spectacle de talents et se réveille d’un coma en 2007, décidant alors de réunir son équipe de breakdance.
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Le film d’arts martiaux thaïlandais de 2009, Raging Phoenix, présente un art martial fictif nommé meiraiyutth, qui est basé sur une fusion de Muay Thai et de breakdance.
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Le film dramatique britannique de 2009, Fish Tank, met en vedette Katie Jarvis dans le rôle d’une adolescente de 15 ans qui s’entraîne régulièrement à la danse hip-hop, y compris le breakdance, dans sa cité.
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Le film américain en 3D de 2013, Battle of the Year, est un drame qui traite de la compétition de danse portant le même nom.
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Le film Bye Bye Braverman de 1968 inclut des éléments de breakdance dans sa scène finale.
Plusieurs films documentaires ont été réalisés sur le breakdance.
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Le documentaire de PBS de 1983, Style Wars, se concentre sur les artistes de graffiti de New York, mais présente également des scènes de breakdance.
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Le documentaire Planet B-Boy de 2007 retrace le parcours de cinq équipes venues des quatre coins du monde pour participer à la compétition internationale de breakdance Battle of the Year. Ce documentaire a inspiré le film américain en 3D Battle of the Year, sorti en 2013, qui met en scène une dramatique autour de cette même compétition.
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Le documentaire allemand « Neukölln Unlimited » de 2010 raconte la vie de deux frères breakdancers à Berlin qui tentent d’utiliser leurs talents de danse pour assurer leur subsistance. Les mouvements de breakdance sont parfois intégrés dans la chorégraphie des films d’arts martiaux en raison de l’aspect visuellement attrayant de cette danse, même s’ils seraient peu pratiques ou inefficaces dans un véritable combat.
Aux États-Unis, le breakdance est fréquemment utilisé dans la publicité télévisée, ainsi que dans les segments d’actualités, de reportages et de documentaires, comme un indicateur de la culture des jeunes/de la rue.
D’un point de vue de production, ce style est visuellement frappant, facilement reconnaissable et adapté au montage rapide, tandis que son ethos est multi-ethnique, énergique et audacieux, mais sans les connotations liées aux gangs souvent présentes dans l’imagerie de la culture rap.
Son utilisation en tant que cliché visuel favorise le parrainage, malgré le nombre relativement restreint de ses adeptes en dehors du cercle de ses pratiquants.
En 2005, une publicité pour la Volkswagen Golf GTi mettait en scène une version partiellement en images de synthèse de Gene Kelly faisant du popping et du breakdance sur un remix de « Singin’ in the Rain » par Mint Royale. Le slogan était « L’original, mis à jour. »
Les émissions de danse So You Think You Can Dance et America’s Best Dance Crew ont vraisemblablement ramené le breakdance sur le devant de la scène pop aux États-Unis, similaire à la popularité qu’il avait connue dans les années 1980.
La série dramatique américaine Step Up: High Water, centrée sur le breakdance et d’autres formes de danse hip-hop, a été diffusée pour la première fois le 20 mars 2019.
Depuis l’essor de la popularité du breakdance en Corée du Sud, cette discipline a été mise en avant dans diverses séries télévisées et publicités.
« Break » est une minisérie sud-coréenne de 2006 qui raconte une compétition de breakdance. « Over the Rainbow », également sortie en 2006, est une série dramatique sud-coréenne qui suit plusieurs personnages réunis par le breakdance.
Enfin, « Showdown », un jeu télévisé de compétition de breakdance animé par Jay Park, a été diffusé pour la première fois en Corée du Sud le 18 mars 2022.
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En 1997, Kim Soo Yong a lancé la sérialisation du premier manga sur le thème du breakdance, intitulé Hip Hop. Ce manga s’est vendu à plus de 1,5 million d’exemplaires et a contribué à faire découvrir le breakdance et la culture hip-hop aux jeunes Coréens.
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Le premier roman sur le thème du breakdance, Kid B, a été publié par Houghton Mifflin en 2006. L’auteur, Linden Dalecki, qui pratiquait le breakdance en amateur au lycée, a réalisé un court métrage documentaire sur la culture du breakdance au Texas avant d’écrire ce livre. Le roman s’inspire de la nouvelle de Dalecki intitulée The B-Boys of Beaumont, qui a remporté le concours de nouvelles de l’Austin Chronicle en 2004.
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« Breakin’ the city », un livre photo de Nicolaus Schmidt, présente des breakers du Bronx et de Brooklyn évoluant dans les rames de métro, sur les places publiques et les trottoirs de New York. Publié en 2011, il met en avant six groupes de breakdance new-yorkais photographiés entre 2007 et 2009.
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Le livre « Breakdancing: Mr. Fresh and the Supreme Rockers Show You How » (Avon Books, 1984) servait de guide d’introduction pour les débutants dans le style de danse « breakin' » tel qu’il a évolué en Amérique du Nord dans les années 1970 et 1980.
Quelques jeux vidéo incluent des éléments de breakdance, tels que :
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Break Dance est un jeu informatique en 8 bits développé par Epyx et sorti en 1984, au sommet de la popularité du breakdance.
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Break Street est un jeu informatique où le joueur accumule des points en exécutant des mouvements de danse complexes avec le joystick, tout en gérant l’énergie restante du personnage. Ce jeu a été lancé sur Commodore 64 en octobre 1984, à l’apogée de la popularité du breakdance.
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Dance Dance Revolution: Mario Mix met en scène Mario et Luigi en train de faire du breakdance sur de nombreuses chansons – certaines inspirées de la série Super Mario, et d’autres basées sur des morceaux réels. Le jeu est sorti le 24 octobre 2005 sur Nintendo GameCube.
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B-boy est un jeu de console sorti en 2006 pour PS2 et PSP, visant à offrir une représentation authentique du breakdance.
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Bust a Groove est une franchise de jeux vidéo dont le personnage « Heat » excelle dans le breakdance.
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Pump It Up est un jeu coréen qui nécessite des mouvements physiques des pieds. Ce jeu inclut des éléments de breakdance, et les joueurs peuvent réussir en mémorisant les pas et en créant des mouvements de danse pour toucher les flèches au bon moment.
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Le jeu de rythme Breakdance Champion Red Bull BC One, disponible sur iOS et Android, est centré sur la véritable compétition de breakdance Red Bull BC One.
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Floor Kids est un jeu pour Nintendo Switch sorti en 2017, qui évalue votre performance en fonction de sa musicalité, de son originalité et de son style. Il a été salué pour ses contrôles innovants et la bande sonore de Kid Koala.
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Dans la célèbre franchise de jeux vidéo Yakuza, le style de combat Breaker de Goro Majima s’appuie considérablement sur des mouvements et des techniques inspirés du breakdance.
Liste de films sur le breakdance
