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Au sommet de leur carrière, Sam Cooke, Curtis Mayfield, James Brown, George Clinton et Prince ont tous créé leurs propres labels.
Michael Gonzales raconte comment ils y sont parvenus et ce qui s’est passé ensuite.
La majorité des labels de soul à l’ancienne étaient dirigés par des personnes qui n’avaient jamais joué une note, chanté un couplet ou voyagé toute la nuit dans un bus cahoteux pour se rendre au prochain concert.
Ce récit a commencé à évoluer en 1959, lorsque le chanteur Sam Cooke a fondé SAR Records à Los Angeles.
Après des années passées dans une industrie qui exploitait régulièrement les artistes pour les droits des chansons, l’édition, les licences et d’autres revenus, Cooke est devenu le premier artiste noir de renom à créer son propre label indépendant.
Le geste audacieux de Cooke n’était pas seulement audacieux ; c’était un acte révolutionnaire de bricolage.
Bien que les maisons de disques gérées par des artistes soient plus tard qualifiées de « labels de vanité », pour Sam Cooke et ceux qu’il a inspirés – y compris Curtis Mayfield, James Brown, George Clinton et Prince – posséder un label n’était pas une question d’ego mais plutôt une manière de contrôler leur musique.
Comme l’écrit Kevin Young dans son livre The Grey Album, « Conserver et créer vos droits… fait partie de l’objectif de la soul. »
Les histoires de SAR Records, Curtom, People, Uncle Sam et Paisley Park illustrent une réaction contre le racisme institutionnalisé dans l’industrie musicale et mettent en avant l’importance de la liberté commerciale et créative.
Les artistes à l’origine de ces labels sont non seulement des légendes pour leur musique, mais aussi des hommes d’affaires iconoclastes.
Leurs labels représentent des tentatives de redéfinir l’industrie musicale selon leurs propres visions, ouvrant ainsi la voie à une nouvelle génération d’artistes refusant de voir la viabilité artistique et le contrôle économique comme incompatibles.
Lorsque Sam Cooke est décédé le 11 décembre 1964 à l’âge de 33 ans, des rumeurs ont circulé selon lesquelles il aurait été assassiné en raison de son influence économique croissante dans une industrie musicale majoritairement blanche.
Né au Mississippi et ayant grandi à Chicago, Cooke était passé du statut de chanteur de gospel à celui de star internationale de la soul.
Cependant, il ne se contentait pas d’enregistrer des morceaux pour RCA Records avec les producteurs Hugo & Luigi ou de chanter au Copa.
Cooke aspirait à devenir un magnat créatif, tant en studio que dans les affaires.
En 1959, il a cofondé SAR Records avec son partenaire d’écriture J.W. Alexander et son manager Roy Crain.
Alors que Cooke chantait et composait des morceaux pop entraînants tels que « Cupid » et « Another Saturday Night », ainsi que l’hymne monumental des droits civiques « A Change is Gonna Come » pour SAR, il créait également des enregistrements de gospel brut et de R&B pour les professionnels et les protégés de son label. «
Sam avait ce talent instinctif, il pouvait simplement vous regarder et dire : ‘Je vais écrire quelque chose qui te correspond,' » a raconté son frère cadet L.C. à un journaliste en 2014.
En ouvrant des bureaux au 6425 Hollywood Boulevard, SAR a signé plusieurs artistes, dont l’ancien groupe de gospel de Cooke, les Soul Stirrers, dont « Stand By Me Father » fut le premier titre publié par SAR.
Parmi les autres artistes figurent le chanteur de soul sous-estimé Johnnie Morisette (« Don’t Throw Your Love on Me So Strong »), le prodige du piano funky Billy Preston (« Greazee »), Johnnie Taylor (« Rome Wasn’t Built in a Day ») et l’ancien enfant de chœur Bobby Womack, qui, avec son frère Cecil, menait les Valentinos (« I’ve Got a Girl »).
« Nous voulions offrir aux jeunes artistes noirs les avantages d’une bonne production, » a confié Alexander au biographe de Cooke, Peter Guralnick. « Nous utilisions les meilleurs studios. Nous ne faisions pas de compromis. »
Basé à Los Angeles, le label avait accès à des musiciens de studio talentueux, parmi lesquels le guitariste Rene Hall, le batteur Earl Palmer et le saxophoniste ténor Plas Johnson.
SAR prévoyait de sortir un album de L.C. Cooke (« Put Me Down Easy »), mais après la fermeture du label en 1965 suite au décès de Cooke, le projet a été mis en attente jusqu’en 2014.
Curtis Mayfield, originaire de Chicago, connaissait Sam Cooke de la scène musicale de la Windy City.
À l’instar de Cooke, il avait débuté sa carrière comme chanteur de gospel avant de devenir le talentueux créateur derrière les Impressions, un groupe inspiré par le doo-wop.
Ayant onze ans de moins que Cooke, Mayfield fut influencé par l’esprit entrepreneurial de ce dernier et fonda en 1960 Curtom Publishing avec son manager de l’époque, Eddie Thomas.
En 1968, après avoir conclu un partenariat avec Neil Bogart de Buddah Records pour la distribution, Curtom Records vit le jour.
En rivalité avec les légendaires Chess Records, le premier album sorti par Curtom fut « This Is My Country » des Impressions, mettant en avant les talents de compositeur de l’arrangeur maison Donny Hathaway sur les titres « Gone Away » et « You Want Somebody Else. »
À ses débuts, le son de Curtom était fortement harmonique, inspiré par les Impressions, mais le label n’hésitait pas non plus à explorer le funk ou la soul psychédélique.
Avant de signer avec Atlantic Records l’année suivante, Hathaway a enregistré le duo « Thank You » avec June Conquest et a encouragé Mayfield à signer les funk rockers Baby Huey & the Babysitters.
Mené par le chanteur de 180 kilos Jimmy « Baby Huey » Ramey, le groupe est devenu l’acte le plus célèbre (et infâme) de Curtom.
Bien que leur version du morceau « Hard Times » écrit par Mayfield ait été souvent samplée, la reprise de neuf minutes de Baby Huey de « A Change is Gonna Come » de Sam Cooke était un numéro blues envoûtant de Chitown, ponctué de cris d’écho, de hurlements et d’un rap décalé sur l’enfance, la drogue et la mort.
Tragiquement, Ramey a succombé à une overdose le 28 octobre 1970; l’album est sorti quatre mois plus tard.
Cette même année, parallèlement à son travail avec Baby Huey and the Babysitters, Mayfield a sorti son album solo éponyme Curtis via Curtom et s’est remplacé dans les Impressions par Leroy Huston.
À l’intérieur des bureaux de Curtom Records se trouvait un studio 16 pistes où Mayfield écrivait, produisait ou supervisait les sessions pour les Five Stairsteps & Cubie (Love’s Happening), les Natural Four (Heaven Right Here on Earth) et Leroy Hutson (The Man!), ancien colocataire de Hathaway à l’université et co-auteur de « The Ghetto ».
Parmi les autres membres du personnel de Curtom, on retrouvait les arrangeurs Johnny Pate et Richard Tufo, l’ingénieur Roger Anfinsen et le guitariste de session Phil Upchurch.
« En 2009, Upchurch a déclaré : « J’ai joué sur les albums de Linda Clifford, Leroy Hutson et pratiquement sur tout ce qui sortait des studios Curtom. Curtis arrivait en studio avec une idée musicale et une mélodie, puis il nous expliquait ce qu’il souhaitait que nous jouions.
Il avait toujours une esquisse de base en tête, et les chansons commençaient à prendre forme à partir de ce qu’il nous présentait. À cette époque, nous enregistrions quatre morceaux en trois heures de session. » »
« Avant, j’allais au studio et j’enregistrais en plusieurs formats différents », a déclaré Mayfield en 1995. « D’abord, j’écrivais les chansons, puis j’emmenais mon groupe rythmique pour finaliser les morceaux.
Ensuite, je faisais appel à des arrangeurs talentueux comme Richard Tofo ou Riley Hampton pour vérifier que tout était à sa place.
Plus tard, j’ajoutais les cuivres, les cordes et les harpes pour capturer la magie. Il m’est arrivé d’aller au studio à trois heures de l’après-midi et de n’en sortir qu’à sept heures le lendemain matin.
Le meilleur moment pour écrire, c’est quand on a l’idée et qu’on saisit une sensation excitante. C’est comme un rêve. »
Une phrase était inscrite sous le logo rouge de Curtom Records : « We’re A Winner. » Et pendant la majeure partie des années 70, cela s’est avéré vrai.
Bien que les premières sorties de Curtom aient connu un certain succès dans les classements soul et à la radio, ce n’est qu’avec la sortie en 1972 de l’album bande originale brillant de Mayfield, Super Fly, que le label a réussi à séduire un public plus large, générer des revenus dans la musique pop et gagner en respectabilité à Hollywood.
Lors d’une interview en 1974, le manager de Mayfield a révélé à Billboard que Curtom possédait « …le seul studio 24 pistes de Chicago, son propre bâtiment, sept producteurs à plein temps, 12 auteurs et cinq artistes sous contrat. »
Le studio était ouvert 24 heures sur 24 et leur succès a conduit à davantage de travaux cinématographiques pendant l’ère Blaxploitation.
La chanteuse de gospel née à Chicago, Mavis Staples, qui était la voix principale du groupe familial les Staple Singers, a enregistré la bande originale de Let’s Do It Again en deux jours en 1975; la chanson-titre a atteint la première place du Billboard Hot 100.
Cependant, avec le passage des années soul/funk à l’ère disco, les choses ne se déroulaient pas aussi bien chez Curtom.
La chanteuse Linda Clifford fut la seule artiste de Curtom à réussir cette transition vers la piste de danse avec son deuxième album « If My Friends Could See Me Now »; le titre produit par Gil Askey fut un énorme succès.
En 1980, Curtom Records, alors distribué par RSO Records de Robert Stigwood qui manquait de liquidités, perdit son contrat avec le label et ferma peu après.
Cette année-là, Mayfield a déménagé à Atlanta et y a inauguré les studios d’enregistrement Curtom.
Plus tard, Sleepy Brown, producteur d’Outkast et membre d’Organized Noize, a utilisé ces studios pour enregistrer le premier album de Goodie Mob, « Soul Food », et a également contribué au dernier album de Mayfield, « New World Order ».
« Les jeunes producteurs et auteurs-compositeurs peuvent remercier Curtis pour certaines barrières qu’il a brisées, » a déclaré Brown.
« Curtis nous a montré par son exemple qu’on peut être un véritable artiste tout en gérant les affaires. »
En 1999, Prince se remémorait son enfance à Minneapolis lorsqu’il achetait des 45 tours (« … avec le grand trou au milieu ») dans une boutique appelée Dee’s Records Center.
Après avoir enfourché son vélo pour se rendre au magasin, le propriétaire lui faisait écouter les dernières sorties. Cependant, lorsqu’il s’agissait des disques de James Brown, le jeune Prince savait déjà qu’ils seraient excellents sans même avoir besoin de les écouter.
« James Brown sortait un single toutes les trois semaines, et je les achetais tous », a déclaré Prince.
« Je glissais les disques sur le guidon de mon vélo pour les voir tourner pendant que je rentrais chez moi. »
Le Parrain de la Soul et père du funk, Brown passait sans cesse du temps en studio. Mais les membres de son groupe n’étaient pas en reste. Avec une équipe de musiciens comprenant le trompettiste Maceo Parker, la chanteuse Lyn Collins, le tromboniste Fred Wesley, le guitariste Jimmy Nolan, la chanteuse Vicki Anderson, les batteurs Clyde Stubblefield et John “Jabo” Starks ainsi que le chanteur et organiste Bobby Byrd, l’ambiance funky de Brown faisait déjà partie intégrante de leur ADN lorsqu’il a lancé People Records pour enregistrer des projets parallèles mettant en avant ce groupe talentueux.
Brown avait précédemment essayé de lancer deux labels distincts, Try Me Records et Brownstone, en collaboration avec Henry Stone, le fondateur de T.K. Records, mais ces deux tentatives ont échoué.
À l’instar de Mayfield, Brown ne se laissa pas décourager et la troisième tentative fut la bonne.
Créé en 1971, People Records fut d’abord distribué par King Records, le label basé à Cincinnati, Ohio, avec lequel Brown était sous contrat depuis 12 ans.
Leur première sortie fut « Escape-ism » du parrain, mais à la fin de l’été, Brown transféra son entreprise chez Polydor Records, où People Records prospéra durant les cinq années suivantes.
Pendant la période de la puissance noire post-droits civiques du début des années 70, un slogan populaire dans la communauté noire était « le pouvoir au peuple », et les « frères et sœurs » arborant des coiffures afro sur le logo de chaque sortie de People semblaient le proclamer.
En sortant des morceaux tels que « Cross the Track » de Maceo and The Macks, « Pass the Peas » des J.B.’s et « Message from the Soul Sisters » de Vicki Anderson, People Records a créé une musique destinée à la rue.
« En écoutant ces disques, on ressentait le groove et on s’amusait », explique Daddy-O, rappeur et producteur du groupe de hip-hop Stetsasonic, « mais on sentait aussi que Brown et ses collaborateurs étaient engagés dans la lutte comme tout le monde. »
Sur la plupart des enregistrements de People Records, Brown était crédité en tant que producteur.
Parfois, il jouait de l’orgue ou poussait des cris en arrière-plan, mais il permettait également à l’équipe de People de s’étendre et d’expérimenter.
Par exemple, il intégrait des grooves de synthétiseur Moog sur « Blow Your Head » de Fred Wesley et les J.B.’s, des orgues jazz cool sur « Givin’ Up Food for Funk » des J.B.’s, et des manifestes féministes sur « Take Me As I Am » de Lyn Collins.
Alors que ses contemporains comme Sly Stone, Marvin Gaye, Stevie Wonder, Curtis Mayfield et George Clinton concevaient des albums conceptuels, People Records produisait joyeusement ces 45 tours avec un grand trou au milieu.
En cinq ans, People a sorti seulement neuf albums mais plus de 60 singles.
Cela est d’autant plus impressionnant que Motown et Curtom disposaient d’équipes dédiées à la création de nouvelles chansons, tandis que l’équipe de People était en tournée presque tous les soirs, n’enregistrant que lorsqu’ils trouvaient du temps dans divers studios.
Une publicité de 1972 pour « Think (About It) » de Lyn Collins dans le magazine Jet proclamait prophétiquement que People Records était « le son original du commencement », comme si le rédacteur pouvait prédire comment les singles de People Records allaient, une décennie plus tard, poser les bases funky des paysages sonores samplés du hip-hop.
Pendant l’âge d’or du hip-hop dans les années 1980, des rappeurs comme Spoonie Gee, Big Daddy Kane, Eric B. et Rakim, Public Enemy, Stetsasonic et bien d’autres ont recontextualisé le son de People Records et l’ont fait leur.
« Non seulement les intros étaient folles, mais les breaks au milieu, ce que nous appelions ‘la partie où ça descend’, étaient également incroyables, » a déclaré Daddy-O.
« Ils faisaient des choses que les autres ne faisaient pas, et on pouvait entendre leur influence dans tout ce qui a suivi, que ce soit Parliament-Funkadelic, Prince ou le hip-hop. »
Les J.B.’s se sont séparés en 1976 à cause de désaccords financiers avec Brown, entraînant la fermeture de People Records.
Cette même année, encouragés par Bootsy Collins, ancien bassiste des J.B.’s, Wesley et Parker ont uni leurs forces avec George Clinton, entamant ainsi une nouvelle ère du funk.
Sous la direction du maître du groove George Clinton, Uncle Jam Records a été lancé en 1980, après une décennie durant laquelle Clinton s’était aventuré dans l’espace profond à bord du Mothership et était revenu sur Terre avec les fruits sonores de son périple intergalactique.
Il voyait Uncle Jam comme son propre Motown, un lieu où Clinton avait effectivement travaillé comme auteur-compositeur dans les années 60.
Bien que Clinton ait commencé comme chanteur de doo-wop avec les Parliaments, son style avait évolué vers quelque chose de surnaturel – des concepts déjantés, des paroles dadaïstes et des compositions futuristes qui faisaient de lui et de son groupe funky de musiciens excentriques les marginaux de l’industrie.
L’impressionnante « armée funk » de Clinton comprenait le bassiste Bootsy Collins, le claviériste Bernie Worrell, le guitariste Mike Hampton, la chanteuse Dawn Silva et bien d’autres encore.
Ses divers groupes, tels que Parliament, Brides of Funkenstein et Funkadelic, étaient chacun signés par différentes maisons de disques : Casablanca, Atlantic et Warner Brothers, respectivement.
En 1979, Collins discutait déjà avec la presse de l’intention de Clinton de lancer son propre label, incluant la signature d’artistes comme Philippe Wynne.
Originaire de l’Ohio, Wynne avait également fait partie du groupe de Collins, les Pacesetters, durant son adolescence et l’avait ensuite rejoint dans les J.B.’s en 1970.
Seulement 11 mois plus tard, alors que Brown lançait People Records, Collins et Wynne quittèrent le groupe.
« Lorsque nous avons quitté James, » poursuivit Bootsy, « nous devions choisir entre jouer pour le groupe des Spinners ou celui de George.
Vu notre style vestimentaire (à mon frère guitariste Catfish et moi), il était impossible pour nous de rejoindre les Spinners.
Ainsi, Philippe est parti avec eux, tandis que nous avons suivi George. »
En 1976, après avoir persuadé Wesley et Parker de se joindre à la session, ils ont formé les Horny Horns avec Rick Gardner et Richard « Kush » Griffith, participant ainsi à tous les projets ultérieurs de P-Funk. Les Horny Horns ont également sorti deux albums : « A Blow for Me, a Toot to You » en 1977 et « Say Blow by Blow Backwards » en 1979, produits par Clinton et Collins et publiés par Atlantic Records.
Cependant, lorsque le manager de Clinton, Archie Ivey, a conclu un accord de distribution avec CBS Records pour lancer Uncle Jam, ce que Clinton espérait être « comme Motown pour de vrai, » la maison déjà chaotique du funk a commencé à s’effondrer alors que les autres labels devenaient nerveux. «
Le fait que j’avais un label chez CBS, Warner pouvait facilement penser : ‘Il pourrait emmener ses artistes là-bas, nous ne voulons pas le rendre plus grand,' » a déclaré Clinton au magazine Uncut Funk en 1989.
« Ils avaient déjà décidé qu’ils avaient un problème avec moi. »
Avec une avance de 250 000 $ par album de la part de CBS, Uncle Jam a signé l’ancienne chanteuse des Friends Of Distinction/Earth, Wind & Fire, Jessica Cleaves, et ce qu’ils espéraient être leur plus grand succès : le projet solo de Roger Troutman, leader de Zapp, intitulé The Many Facets of Roger, ainsi que le groupe Sweat Band, dirigé et produit par Collins.
Bootsy a déclaré en 1981 : « George (Clinton) me disait depuis un moment que je devrais m’impliquer davantage dans la production d’autres artistes.
Cependant, jusqu’à présent, je n’avais pas vraiment été intéressé car j’étais entièrement occupé à maintenir Bootsy’s Rubber Band en activité.
Ce moment semblait idéal pour m’y consacrer. Donc, nous sommes allés en studio – moi-même, Maceo (Parker), le guitariste de Parliament, Mike (Hampton) et nous avons enregistré le projet Sweat Band. »
Le directeur artistique et compositeur Ron Dunbar d’Uncle Jam, qui avait précédemment collaboré avec Holland-Dozier-Holland chez Motown et Invictus (l’ancien label de Parliament), a co-produit l’album « Wynne Jammin’ » de Phillip Wynne aux United Sound Systems, le studio préféré de Clinton à Detroit, Michigan, à cette époque.
Situé au 5840 2nd Boulevard, United Sound appartenait à Don Davis, ancien guitariste de Motown/Stax, qui a écrit et produit des succès pour Johnnie Taylor, un ancien artiste de SAR (« Who’s Making Love, » « Disco Lady »).
Le bâtiment modeste ressemblait à Hitsville de Motown, avec le Studio A à l’arrière et le Studio B à l’avant.
À cette période, Troutman y travaillait avec ses frères Larry, Lester et Terry, qui faisaient également partie du groupe Zapp.
Bien que l’Oncle Jam ait financé les sessions d’enregistrement de Troutman, le label débutant a omis de faire signer un contrat à ce dernier. Une fois l’album terminé, Roger a pris les bandes maîtresses et a vendu le projet au label de Zapp, Warner Brothers.
« Vous savez comment ça se passe, » a déclaré Troutman à un journaliste en 1998. « Bon sang, Warner Brothers m’a offert plus d’argent. » L’album est devenu disque de platine grâce aux succès de « So Ruff, So Tuff » et d’une reprise de « I Heard It Through the Grapevine » de Marvin Gaye.
George Clinton a déclaré plus tard à New Music Express que « la perte de The Many Facets of Roger a retardé nos plans de développement, et les complications ont commencé à rendre CBS réticent à travailler avec nous. »
Cependant, selon un article de 1988, CBS était tellement furieux contre George (qu’ils pensaient à tort être impliqué dans l’escroquerie) qu’ils ont annulé l’accord de distribution avec Uncle Jam et ont refusé de soutenir son action en justice contre Warner Brothers.
En 1983, le dernier disque arborant le logo Uncle Jam a été publié : Urban Dancefloor Guerillas des P-Funk All-Stars, un autre projet collectif réunissant Bootsy Collins, Fred Wesley, Sly Stone, Bobby Womack, Lynn Mabry et d’autres artistes.
Après avoir signé avec Capitol Records en 1982, Clinton a quitté la maison de disques en 1986 et a rejoint Paisley Park à la fin de la décennie.
Prince a démontré son talent musical dès le début de sa carrière prolifique avec Warner Brothers en livrant des projets parallèles solides pour les groupes funk The Time (What Time Is It?), Vanity 6 et la percussionniste pop Sheila E (The Glamorous Life), pour lesquels il a écrit, produit et joué la plupart des instruments.
Cependant, après la sortie et le succès colossal de Purple Rain en 1984, le président de Warner, Mo Ostin, lui a accordé 2 millions de dollars pour lancer son propre label, Paisley Park. Autorisé à se lâcher en construisant un roster à son image, le premier album arborant le logo Paisley fut Around the World in a Day de Prince lui-même.
Il produisait également des symphonies riches en synthétiseurs pour les artistes signés comme The Family (« Nothing Compares 2 U »), Mazarati (« 100 MPH ») et Jill Jones (« G-Spot »), chacun d’eux n’ayant sorti qu’un seul album sous ce label.
En plus de Prince, d’autres producteurs ont contribué aux projets de Paisley Park, notamment le bassiste de Revolution Brownmark, l’ancien ingénieur du son David Z., le guitariste Levi Seacer Jr., le nouveau venu Chico Bennett et l’ex-directeur de Stax Records, Al Bell.
Prince a également signé avec son idole du funk, George Clinton (Hey, Man, Smell My Finger).
« Prince est le seul responsable artistique que je connaisse qui comprendrait ce que je fais, car ce n’est pas conventionnel », a déclaré Clinton au journaliste David Mills en 1989, alors qu’il faisait la promotion de son premier album chez Paisley Park, The Cinderella Theory.
Le cool jazz du premier album de Madhouse, 8, un duo fusion avec Eric Leeds au saxophone et Prince à tous les autres instruments, a été largement diffusé sur les radios de Quiet Storm/smooth jazz, mais cela n’a pas suffi à impressionner Warner Brothers, qui voulait des vrais hits.
Les fans inconditionnels de Prince adoraient les textures cohérentes des paysages sonores électro alt-soul de Paisley Park, qui intégraient funk, New Wave, jazz et soul dans un mélange éclectique.
Cependant, l’acheteur de disques moyen était moins enthousiaste. De plus, le fait que les plus grands projets d’écriture et de production de Prince, dont le hit hypnotique « Sugar Walls » de Sheena Easton et le son Spector du « Manic Monday » des Bangles, aient été enregistrés par des artistes non signés par le label n’aidait pas non plus.
Le son de Minneapolis était en vogue, mais cela n’a pas aidé les ventes de Paisley Park.
« Prince ne prenait pas la responsabilité de produire des disques compétitifs », a confié l’ancien président de Paisley Park, Alan Leeds, à l’auteur Jason Draper.
« C’était un exemple flagrant de la manière dont il ne faut pas gérer un label. »
En dehors des albums afro-expérimentaux de Prince tels que Parade, Sign O’ the Times et Lovesexy, il n’y a eu aucun succès dans les charts pour Paisley Park jusqu’à ce que The Time sorte Pandemonium et que le jeune prodige Tevin Campbell enregistre « Round and Round » pour la bande originale de Graffiti Bridge, remplie de collaborations.
Bien que Prince ait publiquement exprimé son opposition au hip-hop, il a également sorti un album de rap du talent modeste T.C. Ellis (True Confessions), dont les compétences en rimes rappelaient davantage Vanilla Ice que Rakim, sans rien faire pour redorer la réputation du label.
En 1994, après que Prince ait commencé à se quereller avec Warner Brothers et se soit déclaré « esclave » de l’entreprise, le label principal a mis fin à leur collaboration, entraînant la fermeture de Paisley Park.
Actuellement, tous les albums de Paisley Park, à l’exception de ceux de Prince, ne sont plus disponibles.
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